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¿POR QUÉ LO LLAMAN SEXO CUANDO QUIEREN DECIR AMOR?

Antes que un friki que adora todo lo que esté relacionado con "Star Wars", el director Kevin Smith es un romántico empedernido. Un rebelde dulcificado. En realidad, su vitola de director y guionista corrosivo, con chispazos de ingenio y verborrea duró lo que duró la “trilogía de centros comerciales” que le dio a conocer, (“Clerks”, “Mallrats” y “Persiguiendo a Amy”).

“¿Hacemos una porno?”, su última película, es un claro paradigma de la deriva su cine. El atrevimiento que se desprende de su título y argumento queda en nada en favor de una historia de amor ligera, simplona e inocente donde los diálogos de humor grueso y la presencia de Seth Rogen, (actor cómico omnipresente en el cine de este género desde su irrupción en “Lio embarazoso”) ponen el contrapunto insolente.

Zack (Seth Rogen) y Miri (Elizabeth Banks, cuya interpretación es probablemente lo mejor de la cinta) son una pareja que aún viviendo bajo el mismo techo desde hace años no han pasado de ser simples amigos con alto grado de complicidad. Los graves apuros económicos por los que pasan les llevan a agudizar el ingenio, decidiendo grabar una película porno con la que recaudar todo ese dinero necesario para pagar las deudas que acumulan.

La cinta de Smith explora los caminos de la comedia a través de unos personajes mediocres que pretenden rodar una película, sin medios ni talento. Solo con ilusión. Lo hace siguiendo la senda marcada por películas como “Bowfinger, el pícaro”, “Cecil. B. Demented”, “Ed Wood” o “Rebobine, por favor” pero con desigual resultado.
Previsible e inocua, “¿Hacemos una porno?” carece de la frescura que contenían estas citadas películas, basa en exceso su éxito en unos diálogos llenos de humor escatológico y repleto de referencias “made in Kevin Smith” y no tiene una historia romántica que precisamente brille por su originalidad. Zack y Miri están destinados a quererse, algo que el espectador sospechará desde el minuto 1 del metraje.

Primero con “Una chica de Jersey”, cinta con Ben Affleck y Liv Tyler, después con “Clerks 2” y ahora con “¿Hacemos una porno?”, Kevin Smith se confirma como narrador sentimental de corte indie y descuidado aspecto formal, dejando atrás su imagen de tipo sarcástico que le había dado la popularidad. Smith está abriendo su corazón, aunque lo preferimos deslenguado.

EL REY DEL VIDEOCLIP

1983 - John Landis dirige a Michael Jackson en el videoclip "Thriller" que escribe junto al cantante. El maestro del maquillaje de cine, Rick Baker se encarga de este area, mientras que otros grandes como Elmer Bernstein, que pone la música incidental, y Vicent Price, que hace las veces de narrador, también colaboran en este mítico y revolucionario clip.

1997 - En una de sus pocas incursiones en la director, el maestro de los efectos especiales Stan Winston dirigió a Jackson en el videoclip "Ghost" de nuevo tirando del género de terror y rodeandose de los mejores. Mick Garris, el propio Jacko y Stephen King realizaron el guión de esta pequeña historia de terror llena de hallazgos y con sorpresa incluida.

1987- Del blanco y negro al color y con dosis de protagonismo para Wesley Snipes, Martin Scorsese fue el responsable de "Bad" otro hit de Michael Jackson de 17 minutos de duración. Quincy Jones producía y Thelma Schoonmaker montaba este enfrentamiento en el metro de grato recuerdo para muchos.

1991 - Nueva colaboración entre John Landis y Jackson con ese temazo de nombre "Black or White" y de videoclip claramente universal y multicultural. En él encontramos a George Wendt, de la serie Cheers y al por entonces en pleno auge Macauley Culkin en lo que supuso el inicio de una muy comentada amistad entre el joven actor y el rey del pop. Además puso de moda la técnia del "morphing" donde sus protagonistas iban mutando sus rostros entre ellos.

1992 - "Remember the time" es el hit para el que Michael Jackson reclamó la ayuda del director afroamericano John Singleton con el fin de viajar al antiguo Egipto. Eddie Murphy, la modelo y mujer de David Bowie, Iman y el cameo de Magic Johnson, que junto a Michael Jordan (al que Jackson enseñaba a bailar en el clip "Jam") completaba la nómina de astros del basket que se rindieron al cantante.

1996 - "The don´t care about us" es el clip que remarcaba la faceta comprometida de Michael Jackson. Con él viajaba hasta Brasil convirtiendo a este tema en todo un éxito cuyo videoclip dirigía Spike Lee. Posteriormente se realizó una versión alternativa donde Michael se introducía en los ambientes carcelarios.

1986 - En este año Disney encarga un corto para su parque temático a Francis Ford Coppola, en donde Michael Jackson será su protagonista y además interpretará el tema "We are here to change the world". Mundos mágicos, brujas malvadas y colaboración de lujo de George Lucas en la producción. "Captain EO" era su título.

MÁS CANDIDATAS, MÁS AMIGOS Y MÁS DINERO

Sorpresiva y contundente. Así ha sido la decisión tomada por la Academia norteamericana de Cine y hecha pública el pasado Miércoles día 24 de Junio.
A partir de 2010, es decir, en la más inmediata edición de los premios Oscar, estos galardones contarán con diez films nominados en su categoría estrella, la de Mejor Película, en lugar de los cinco que han venido compitiendo tradicionalmente desde que este sistema se puso en marcha en los años 40.

No sería la primera vez que tantas películas opten por la máxima estatuilla, en los años 30 y 40, diez películas o más podían ser candidatas, pero eran otros tiempos y Hollywood se regía bajo un sistema diferente.

Ahora este cambio responde principalmente a cuestiones económicas y de marketing, donde la crisis tiene su parte de culpa, pero también a las cada vez más frecuentes y poderosas protestas de cinéfilos y seguidores ante la ausencia de determinados títulos entre las nominadas.

Está claro que diez películas con la vitola de “nominada al Oscar” recaudan más que cinco, y que eso, en tiempos difíciles, viene de perlas a la gran industria del cine de cara a las cifras de taquilla. La audiencia televisiva juega igualmente un importante papel. La retransmisión de la ceremonia más glamourosa y atractiva del año había perdido un alto número de adeptos en sus últimas ediciones, por lo que este aumento en las películas nominadas se puede considerar como la enésima (¿y definitiva?) táctica de la Academia para conseguir atraer a las pantallas a un mayor número de espectadores.

Temas económicos aparte, con esta decisión la Academia beneficiará a su propia imagen. Considerada rancia y poco propensa a los cambios que la industria del cine demanda, el doblar el número de películas con opción a premios permitirá a la Academia hacer esos amigos a los que antes hubiese dado la espalda. El alto nivel de calidad del cine de animación y en concreto de la factoría Pixar, el cada vez mayor número de cintas independientes potencialmente nominables, los blockbusters serios, de éxito y con legiones de incondicionales fans tras ellos, el siempre denostado género de la comedia, o las películas extranjeras multipremiadas en festivales han puesto en aprietos una y otra vez a la acomodada Academia, reacia a admitir a estos grupos en sus gustos.

Los casos de la elección de “The Reader” en lugar de “El caballero oscuro” o la ausencia en años anteriores de películas popularmente consideradas como “Wall-E” o “Hijos de los hombres” no ocurrirían con este nuevo modelo, aunque la calidad de la producción cinematográfica de cada año pueda provocar inmerecidas presencias (algo que en ocasiones ocurre en los Globos de Oro, los cuales distinguen cinco películas dramáticas y cinco comedias o musicales) que jamás habrían cabido bajo otras circunstancias.

Con este giro inesperado e histórico habrá que mirar con atención a otra categoría que permanece inamovible pero que será la que haga la criba de las favoritas. La candidatura a Mejor Director será desde ahora la categoría de mayor peso y la que diga que películas son serias opciones de premio, cuales quedarán en terreno de nadie o cuales son un simple relleno.

NOTICIA BOMBA: DE 5 A 10 NOMINADAS AL OSCAR

Transcribo literalmente la noticia encontrada esta misma tarde en la web Rope of Silicon que confirma el nuevo y radical rumbo de los premios Oscar:

The Academy of Motion Picture Arts and Sciences has just announced in a small blurb the Oscars this year will be bumping their Best Picture nominees from five to ten beginning with the upcoming 2010 Oscars President Sid Ganis announced today at a press conference in Beverly Hills.

"After more than six decades, the Academy is returning to some of its earlier roots, when a wider field competed for the top award of the year," said Ganis. "The final outcome, of course, will be the same - one Best Picture winner - but the race to the finish line will feature 10, not just five, great movies from 2009."

The move is an obvious response to the recent discussion concerning The Dark Knight's absence from the nominees for more art house style films such as The Reader and I would expect we can now look at Up as a serious contender for a Best Picture nominee when previous Pixar favorites Ratatouille and Wall-e were left in the cold.

"Having 10 Best Picture nominees is going allow Academy voters to recognize and include some of the fantastic movies that often show up in the other Oscar categories, but have been squeezed out of the race for the top prize," commented Ganis. "I can't wait to see what that list of ten looks like when the nominees are announced in February."

Por lo tanto a partir de este año no serán 5 sino 10 las películas nominadas al Oscar en la categoria estrella de estos premios; "Mejor Película".

Como bien indica el artículo la ausencia de películas como "El caballero oscuro" o "Wall-E" entre las candidatas han llevado a la Academia a optar por ampliar el número de cintas nominadas, lo que garantizará mayor emoción, menos polémicas en cuanto a las ausencias (aunque seguro que la habrá con las presencias) y gran variedad de posibilidades (películas extranjeras, independientes o animadas que siempre han encontrado grandes dificultades para colarse entre las 5 finalistas).

Esta decisión provoca desde este mismo instante un interés añadido por la próxima edición de estos premios donde gente de la talla de Peter Jackson, Clint Eastwood, Martin Scorsese, James Cameron, Terence Malick, Joe Wright o Pedro Almodovar pondrán a prueba este nuevo rumbo de la Academia y sus máximos galardones.

Dará que hablar.

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DEL 2-D AL 3-D

Nadie duda que la proliferación de pantallas planas televisivas de increíble calidad y tamaño, de dolby surrounds que envuelven todo el salón de casa y de ediciones cada vez más ricas y completas en dvd y blue-ray han reducido el número de espectadores de las salas de cine. Indudablemente también lo ha hecho el pirateo, aunque claro está, sin las correspondientes condiciones de imagen y sonido.

El caso es que este descenso de espectadores es la principal preocupación de las grandes compañías cinematográficas que ahora buscan un nuevo enfoque para el ritual del cine en pantalla grande que aumente su atractivo y le aporte ese matiz diferenciador con respecto al cine en casa y a la vez impida grabar esos screeners piratas que inundan la red.

Las 3 dimensiones es esta panacea llamada a revolucionar el cine del futuro y cuyo punto de partida es este verano del 2009 en que ya nos encontramos. La formula no es ni mucho menos novedosa ya que desde los años 50 el cine tridimensional ha asomado por las pantallas (desde “Los crímenes del museo de cera” hasta “Tiburón 3-D” pasando por “Pesadilla Final; la muerte de Freddy” con aquellas gafas a rayas rojiblancas) aunque bien es cierto que lo hizo con interrupciones en el tiempo y con mucho que perfeccionar.

Según Jeffrey Katzenberg, uno de los fundadores de Dreamkworks, en un medio plazo las dos dimensiones serán al cine lo que el vinilo a la música. En sus propias palabras: ‘No se trata de ningún truco visual, como pasaba con las antiguas producciones en este formato, será una auténtica revolución. En los años 20 fue el paso del mudo al sonoro, en los 30 del blanco y negro al color y ahora cambiaremos del 2D al 3D’.

"The Polar Express", "Beowulf", "Viaje al centro de la Tierra" y “Monstruos contra alienigenas” fueron las primeras en ofrecer sus imágenes en 3D, "Pesadilla antes de Navidad" se reestrenó recientemente para ser vista con gafas, “Los Mundos de Coraline” ha ido más allá mezclando el stop-motion con lo tridimensional y potentes estreno veraniegos como "Up", la esperada cinta de los estudios Disney/Pixar o "Ice Age 3" no se han quedado a la zaga. Incluso la sexta película de “Harry Potter” retrasó su estreno de navidades a este verano para poder convertir algunas de sus secuencias en este formato. La revista especializada "Total Film" dedicaba su número de Mayo al 3D acompañando unas gafas a su edición, y las dos primeras partes de "Toy Story" se están poniendo al día para poder ser contempladas en 3D justo antes del estreno de su tercera entrega.

Para cuando aterricen en las pantallas “Avatar” la primera película de James Cameron desde “Titanic”, "Alicia en el país de las maravillas" de Tim Burton y “Tintín: el secreto del unicornio” dirigida por Peter Jackson y Steven Spielberg, todos los cines del mundo querrán y necesitarán haber adaptado sus salas al 3D. Estas esperadas cintas contendrán la práctica totalidad de sus escenas en un formato especial de 3 dimensiones, apostando fuerte por esta técnica en la que Cameron, Burton, Jackson y Spielberg, puros visionarios del séptimo arte ven el verdadero futuro del cine en pantalla grande.

¿Cambiará el 3D lo que entendemos por cine? Solo el tiempo dirá si se trata de un boom pasajero o de algo más sólido. Por suerte seguirá existiendo el cine tal y como lo conocemos (nadie concibe “The Reader” o “Revolutionary Road” en 3 Dimensiones), aunque la tendencia entre productoras será multiplicar las películas cuyos argumentos permitan potenciar secuencias en busca del efecto más llamativo, algo que será positivo siempre que sea en beneficio de la historia narrada.

Por su parte el espectador deberá acostumbrarse al torrente de imágenes, a las gafas, menos ligeras que esos antiguos anteojos de colores y su bolsillo al aumento de precio que el nuevo formato conlleva.

Y entre medias los exhibidores. Ellos tendrán que hacer una importante inversión para acondicionar sus equipos a la proyección tridimensional y encontrar el equilibrio perfecto entre sus costes y los precios de las entradas, cuyo incremento en tiempos de crisis ya es de por sí desorbitado, más todavía con el alquiler de las gafas y la subida que provocará el moderno formato, y que pueden convertir al cine en lo que jamás debería ser, un lujo lejos del alcance de todo tipo de públicos.

En un compendio equitativo de todas estas particularidades que convenga a todos los interesados radica la aceptación y el éxito de tal evolución con la que las grandes majors ya se frotan las manos, pensando incluso en como será el cine cuando ni siquiera hagan faltas gafas para ver en tridimensional. Veremos en que deriva todo.

KILLSHOT

Rodada en 2006 con fecha de estreno para entonces pero machacada una y otra vez por los diferentes pases de prueba para productores (los altamente peligrosos hermanos Weinstein), "Killshot" parecía destinada a no aparecer nunca o hacerlo directamente en el mercado de DVD.
Pero, giros que da la vida, Mickey Rourke defenestrado antes, ahora es estrella al alza gracias a “El luchador”, y a pesar de que “Killshot” haya sufrido rodaje de nuevas escenas, mutilaciones y montajes varios, el tener a Rourke en su reparto la convierte en 2009 en todo lo que no era en 2006, un estreno que puede ser rentable.

La narración de “Killshot” no es tan pésima como sus continuos problemas parecen indicar. El problema es que su reparto tiene nombres tan atractivos que elevan la exigencia del conjunto. Diane Lane (“Infiel”), Joseph Gordon Lewitt (“The Lookout”), Thomas Jane (“La Niebla”), Rosario Dawson (“Death proof”), cameo de Hal Hoolbrock (el malo de la “Harry el fuerte" y nominado al Oscar por “Hacía rutas salvajes”) y la presencia de Mickey Rourke encarnado a un asesino a sueldo con raíces indias, dan empaque a la cinta y prometen algo mayor que una sencilla narración de cine negro con un argumento poco o nada original y que probablemente lo que necesitase fuera una mayor atmósfera de cine de autor, de esas que hacen que por mínima que sea la base de la historia que se está contando, ésta resulte de interés.

Lo cierto es que John Madden, quien está detrás de las cámaras, no parece el director con mayor personalidad de Hollywood y adaptar una novela negra de Elmore Leonard tras rodar “Shakespeare in Love” o “La mandolina del capitán Corelli” suena extraño y a elección poco atinada.

Resucitada pues a inicios de este año en EEUU (y pendiente de fecha en España) gracias al éxito de “El Luchador”, “Killshot” viene a contarnos la caza y captura de dos matones (uno profesional, el otro de poca monta) hacía una pareja en proceso de separación que es testigo de uno de los actos que llevan a cabo.

La sangría que ambos personajes montan para llegar a ellos no concuerda en absoluto con la gravedad de los hechos que presencian Diane Lane y Thomas Jane y solo puede justificarse mediante el retrato de dos personajes sin rumbo en la vida que realizan sus actos indeliberadamente, casi de manera instintiva puesto que es lo único que su triste existencia han aprendido, algo que Madden parece querer esbozar (la carga por la muerte del hermano de Rourke, la relación entre Rosario Dawson y Gordon Lewitt) sin saber bien como hacerlo.

Ésa es, por tanto, la única manera en que pueden comprenderse todos los acontecimientos que tienen lugar en “Killshot”, la cual siendo incapaz de dar con la tecla exacta en la descripción de sus personajes, solo logra ser un correcto y ligeramente entretenido thriller, cuya duración (apenas 90 minutos) la hacen llevadera y en donde sus actores ponen empeño, especialmente un Mickey Rourke que demuestra que su presencia en pantalla seguía siendo potente mucho antes de convertirse en luchador de wrestling y alcanzar la gloria.

PESADILLAS, PASADIZOS Y BOTONES

Cansado de tener que reivindicar la autoría de “Pesadilla antes de Navidad” por delante de Tim Burton al que el conocimiento general atribuye la total creación de esta obra de culto, el director Henry Selick se enfrenta con “Los mundos de Coraline” ante una gran oportunidad para demostrar su potente inventiva visual, no menos gótica que la de las aventuras de Jack Skeleton, y su talento narrativo y manejo de la técnica del stop-motion, que tan populares hicieron a esa pesadilla de nochebuena.

Selick no ha desaprovechado la ocasión para; 1) conseguir por fin que el gran público relacione su nombre con el de “Pesadilla antes de Navidad” tanto como ocurre con el de Tim Burton y 2) crear otra obra no exenta de un universo repleto de imaginación, angustia y fuertes contrastes cromáticos.
Porque la historia y los extravagantes personajes de “Los mundos de Coraline” nacida de la mente del polifacético Neil Gaiman (“Stardust”) necesitaban, precisamente, de este singular estilo plástico que la unión del stop-motion y el gusto por lo oscuro y siniestro traen consigo.

Coraline es una niña que al mudarse a un nuevo hogar descubre en una de sus habitaciones una pequeña puerta que abre camino a un universo paralelo donde sus padres, amigos y deseos mejoran la realidad en la que Coraline vive. Maravillada por las virtudes de este “mundo perfecto”, la niña pronto comprobará los peligros que este viaje entraña.

Ese pasadizo oculto que investigará una y otra vez Coraline conlleva no solo la aventura (y un poco de horror y pesadilla) sino también un viaje iniciático con mensaje implícito para los más pequeños; no dejarse embelesar por los caprichos, los peligros de lo prohibido y el saber apreciar y valorar lo que uno posee.

Demasiado terrorífica para los niños de edad no avanzada (no en vano los enemigos de Coraline pretende sacarle los ojos y sustituirlos por botones) y, probablemente, infantil en exceso para los más adultos que les acompañan, a pesar de sus grandes dosis de tenebrosidad, “Los mundos de Coraline” brilla principalmente por su excelente factura técnica que hace de Selick un maestro de este género animado y por su recargado, asfixiante y lúgubre tono, condiciones que le acercan hacía el tipo de público que adora “Pesadilla antes de Navidad” y que siempre ha disfrutado con “Alicia en el país de las maravillas”, principal fuente de la que bebe esta película.Esta referencia al relato de Lewis Carroll incluye a “Los mundos de Coraline” en ese grupo de cintas animadas donde mundos inexplorados dan rienda libre a la creatividad artística. Antes de Coraline, fue Chihiro quien cambió el mundo real al atravesar un tunel, Mike Wazoskwi y Sully quienes descubrieron unas puertas mágicas en “Monstruos. S.A.” o los intrépidos niños de “Monster House” al curiosear en una peligrosa casa que tiene mucho en común con el hogar de Coraline. Todas, películas con una gran riqueza artística.

Concebida como película en 3D dentro de esta nueva ola tridimensional que empieza a revolucionar el cine, “Los mundos de Coraline” se disfrutará en mayor grado con las famosas lentes puestas, pero también sin ellas al tratarse de una encantadora pesadilla repleta de arte e inspiración que contrarresta a todo aquel cine acomodaticio que nos pueda llegar desde la meca del cine.

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¿DOS HERMANAS?

“Presencias extrañas” llega fuera de plazo. No porque se haya estrenado en nuestro país con cinco meses de diferencia con respecto a los EEUU, y sí porque la moda del remake asiático tuvo su momento y no es precisamente este, lo que provoca que “Presencias extrañas” no solo copie los planteamientos de la cinta original a la que versiona, sino también todos los tics que el cine americano ha ido adquiriendo en las diferentes traslaciones de las películas de horror orientales de los últimos años.

Remake de la cinta coreana “A tale of two sisters”, conocida en España como “Dos Hermanas”, “Presencias extrañas” narra la historia de Anna (Emily Browning) una joven que tras la trágica muerte de su madre sale de un centro psiquiátrico para volver a vivir con su padre y la nueva mujer de este, con la cual mantendrá una complicada relación.

Tramposa hasta decir basta, “Presencias extrañas” juega a confundir al espectador con trucos que no resultan ingeniosos a estas alturas. Sin la existencia de una atmósfera que pueda inquietar, la tarea de los hermanos Guard (los hermanos directores del desaguisado) se condiciona en exceso y casi exclusivamente a los recursos típicos y manidos del género de terror adolescente como las continuas apariciones fantasmales que atormentan a la protagonista, o el ineludible personaje de maldad extrema sobre el que recaigan todas las sospechas así como a esos golpes de sonido y de cámara que provoquen el susto fácil en la sala. Meras estrategias para mantener en vilo al público y que restan credibilidad a cualquier mínima y seria intención que la trama original surcoreana pudiese brindar a esta nueva versión.

Con un reparto complemente perdido con nombres como David Strathairn (nominado al Oscar por “Buenas noches y buena suerte”) o Elizabeth Banks (“Virgen a los 40”) donde solo su joven protagonista Emily Browing (“Una serie de catastróficas desdichas”) pone empeño, y con un giro final que amplifica todavía más el despropósito, “Presencias extrañas” viene a confirmar la defunción de este subgénero, que ya dio sus últimos coletazos con “Reflejos”, de Alexandre Aja, director que en “Alta Tensión” la cinta que lo lanzó a la fama ya planteó un desenlace similar al que ahora muestra la cinta que nos ocupa. Pero entonces aun estábamos receptivos cuando ahora lo que estamos es agotados por la fórmula.

JOHN WILLIAMS Y SUS INFLUENCIAS

No seré yo quien venga a estas alturas a desacreditar a John Williams, uno de los más grandes compositores de música de cine, sin embargo me ha parecido digna de mención la comparación entre la banda sonora de la película "Kings Row" (1942) dirigida por Sam Wood y protagonizada por el mismisimo Ronald Reagan y el universalmente conocido score que compuso Williams para "Star Wars".

Erich Wolfgang Korngold era el músico que compuso aquella banda sonora y es de sobra conocida la admiración que John Williams siempre ha profesado por las creaciones del compositor de origen checo y responsable entre otras de "El halcón de mar", "Capitán Blood" o "Las aventuras de Robin Hood". Korngold, siempre épico, avasallador y potente es la principal influencia de John Williams y un culpable indirecto de las fanfarrias y marchas que posteriormente elaborase el habitual músico de Steven Spielberg y George Lucas.

El parecido entre "Kings Row" y "Star Wars" es innegable, lo que no convierte en absoluto a Williams en un plagiador en la línea de gente como James Horner. Aunque existe por la red gente desengañada que puede pensar lo contrario.

Ese es el caso de un usuario alemán de youtube conocido como AlexLieb2802 que ha montado un acusador video donde muestra ejemplos de composiones clásicas que guardan similitudes con las bandas sonoras posteriores de Williams. El tal AlexLieb2802 cita a Stravinsky, Holst, Tschaikovsky o Howard Hanson aunque su evidente cabreo le llega a cegar al hablar de posible plagio entre "Solo en Casa" y "El Cascanueces" cuando Williams tomó publicamente como modelo esta última para crear la música de la cinta de Macauley Culkin y además introdujo momentos de "El Cascanueces" en alguno de sus temas.

Influencias, homenajes, imitaciones o plagios, el caso es que este post sirve para volver a deleitarnos con las notas de Williams a la espera de escuchar sus nuevos trabajos entre los que se encuentra la película sobre "Tintín" que ya ruedan Spielberg y Peter Jackson.

UN POCO MÁS ILUMINADO

Ron Howard mantiene un proceso inverso al de la gran mayoría de sus colegas de gremio. Mientras todos dirigen de tanto en tanto una producción de gran presupuesto y rápido consumo para justificar ante la industria sus otras películas más libres y de concepción original, Howard dirige un par de obras más esmeradas (“Frost/Nixon”, “Cinderella Man”) cada cierto periodo de tiempo para poder seguir realizando sus películas orientadas al gran público.

En este último grupo se encontraba “El Código Da Vinci” y también, a pesar del fracaso que supuso esta esperada adaptación, su inevitable continuación que ahora nos ocupa, “Ángeles y Demonios” con la que Howard logra superar a la primera, que viene a ser lo mismo que aquel que saca un insuficiente para en el cuatrimestre siguiente subir su nota a un suficiente raspado.

Cambiando París por Roma y El Vaticano y el priorato de Sion por la sociedad secreta de los Illuminati, “Ángeles y Demonios” vuelve a introducir al experto en simbología, Robert Langdon (Tom Hanks) en una aventura donde la iglesia está de por medio y donde una serie de crímenes a resolver mediante complejos ejercicios de erudición son el leiv motiv del argumento.

Basándose en esquemas prácticamente calcados, la principal diferencia entre “El Código Da Vinci” y “Ángeles y Demonios” radica en su sentido del entretenimiento. Ron Howard hacía en “El Código Da Vinci” lo que parecía más complicado a juzgar por el comentadísimo best-seller que adaptaba; que la película fuese tediosa y aburrida. Aquí, por fortuna eso no ocurre, probablemente por la presencia en el guión de David Koepp, guionista más que curtido en esto del cine espectáculo (“Misión Imposible”, “Parque Jurásico”, “Spiderman”) acompañando en la escritura al ineludible y muy discutido guionista Akiva Goldsman uno de lo principales responsables del fiasco general de “El Código Da Vinci” y único guionista entonces.

Cumpliendo por tanto la norma básica de un blockbuster veraniego; garantizar dos horas de pura evasión, todo lo demás en “Ángeles y Demonios” no es tan achacable.
Cierto es que sus diálogos vuelven a sonar forzados, que el papel de Langdon no está hecho para Hanks, que sus giros argumentales resultan irrisorios, que la acompañante femenina solo sea un pegote y que el subrayado en su parte final sea insultante para el espectador, pero eso es algo que ya esperabamos, a tenor de lo visto en las novelas de Dan Brown y en la primera de sus adaptaciones.

Los recorridos por las bellas fuentes e iglesias de la ciudad romana, y en menor medida la solvencia de secundarios como Armin Muhler Stahl o Ewan McGregor o la música de Hans Zimmer será de lo poco que quede en el recuerdo una vez finalizado el visionado de “Ángeles y Demonios”, una de esas cintas que se consumen con tanta premura como se olvidan, pero que al menos, esta vez si, es capaz de funcionar como eficaz distracción.

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SI ALGUIEN SE CONSIDERA TU AMIGO TE RECOMENDARÁ "LOST"

SÍ. HAY ALGÚN QUE OTRO SPOILER

Somos unos privilegiados. Vemos los capítulos el día de su emisión y tenemos que esperar una semana para seguir descubriendo los acontecimientos. Gozamos de la posibilidad de entrar en los foros, que están al rojo vivo proponiendo múltiples teorías y elucubraciones, comentando y discutiendo todos y cada uno de los momentos que han dejado huella en cada capítulo y lo que deparará el siguiente. Eso es algo que las próximas generaciones no tendrán y de lo que yo presumiré en un futuro cual abuelo cebolleta.

"Lost" es historia de la televisión, un hito que desde su aparición provocó la edad de oro de las series en que nos encontramos. Por fortuna, nos ha tocado ser testigos de su desarrollo.

Cada episodio de la quinta temporada de “Lost” ha sido una maravillosa locura, propia de unos guionistas que saben como llevar a cabo un suicidio y no morir en el intento. No hay giro argumental que se les resista, saben como hacer de su serie algo arrollador y completamente adictivo en la que aceptamos todos y cada uno de sus movimientos y perdonamos cualquier incongruencia u omisión que pueda existir. Toda sea por ver a Locke convertirse en el lider de la isla y por dejarnos engañar por enésima vez con las mentiras de Benjamín Linus. Todo sea por viajar de aquí para allá en el tiempo, por desear que vayan apareciendo nuevos y antiguos personajes aunque estos vengan a enmarañar aún más el argumento a no demasiados episodios del desenlace final.

Atrás quedaron aquellos momentos donde Jack era un líder encerrado, donde Sawyer y Kate eran sometidos como animales enjaulados, donde dudosos protagonistas eran enterrados vivos y donde Michael parecía un traidor patológico. Donde el melodrama con ecos de culebrón se imponía por momentos al misterio. Situaciones en que alguno pudo llegar a dudar por la integridad argumental de la serie y donde más de uno se bajó del tren. La gran mayoría fuimos fieles y hemos sido recompensados con una experiencia donde teorizar jamás fue tan inútil y a la vez tan satisfactorio.

Es sumamente complicado intentar hablar de "Lost" resistiendose a contar sus continuas sorpresas que piden a gritos el debate, asi como también es muy dificil convencer al no iniciado en la serie para que se adentre en ella aludiendo a su grandioso pero arduo argumento. La mejor manera de sucumbir ante esta serie es afrontarla desde sus enigmas e interrogantes, sin pedirle cuentas a cada momento y siendo paciente con sus frentes abiertos, sus variables, constantes, incidentes y flashes. De otro modo se antoja imposible deleitarse con su propuesta espacio temporal, mitológica, aventurera y bíblica y amar a personajes como Daniel Faraday, Desmond Hume, Eloise Hawkings o el mismisimo Jacob.

Ésta no es más que la enésima recomendación de la serie entre las muchas que existen en internet y en la calle. Viene dada por el entusiasmo con el que finalizo el visionado de esta quinta temporada. Estamos ante la mejor ocasión para introducirnos en el universo de Abrams, Lindelof, Giacchino y compañia. Es ahora y unicamente ahora. Entre el blanco e inmaculado final de su penúltima temporada y el inicio de la sexta y última habrá 7 largos meses para descubrirla o revisarla. Porque "Lost" no será la misma una vez conocido su final y porque esta increible aventura de ciencia-ficción, épica, romance, amor, amistad, tración, tragedia, drama, acción, suspense, terror y fantástico nos está brindando la última oportunidad para que la acompañemos en su excitante viaje.

Si alguien se considera verdaderamente un amigo, te recomendará el visionado de "Lost". Y si aceptas el reto se lo agradeceras por siempre.