EL SÉPTIMO CIELO

GEORGE, PEPPY Y LA NOSTALGIA

2012-02-01T16:26:00.003+01:00

La sincronización sonora llegó y venció. Los caprichos de las “crisis económicas” quisieron que el cine cobrase voz al tiempo que la Bolsa hacía crack dejando una profunda situación de depresión social. Con ella, el “estado de bienestar” de estrellas de la talla de Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Pola Negri o Gloria Swanson se fue al garete. Eso es tan solo una parte de la historia que todos conocemos, la de una de las primeras revoluciones que vivió el séptimo arte y a la que, lejos de olvidar, el propio cine ha rememorado orgulloso en diferentes momentos de su vida. “The Artist” (Michel Hazanavicius, 2011) aterriza ahora, en una época con circunstancias que no distan demasiado de las de entonces (revolución en el cine con la irrupción de las 3D, severa crisis económica mundial), para, de nuevo, recordarnos que Hollywood fue, una vez, mudo y musicado.

Lo curioso de esta reverencia es que es extrínseca a Hollywood. Viene nada menos que de Francia. Y su grado de nostalgia es tal, que ha tenido la osadía de lucir muda y en blanco y negro cuando la moda está en el artificio y la explosión visual.

En ese tributo, casi cíclico, que el cine rinde a aquella etapa de transición, “The Artist” no viene, precisamente, a aportar nada nuevo a los relatos que sobre ella ya ofrecieron títulos como “Ha nacido una estrella” o "El crepúsculo de los Dioses". Podría ser un biopic de John Gilbert y nadie se daría cuenta. O un remake de “Cantando bajo la lluvia” sin gama de colores, actrices de doblaje y dilatados bailes de Gene Kelly y no pasaría nada. Apelando a la añoranza y al sentimiento, al slapstick y al romance, "The Artist" es mucho más arriesgada formalmente que argumentalmente. La historia de George Valentin, figura principal del star-system hollywoodiense que rechaza el cine sonoro -"si ese es el cambio, quédate tú con él"- al tiempo que asiste a la subida al estrellato de la joven Peppy Miller, tiene mucho de dejavú aunque sobrado tacto para emocionar al patio de butacas, así como también varios ases en la manga por si alguien no consiguiese entrar en su juego evocador y melodramático (el perro, Uggie es encantador).

Pero oculta bajo lo llamativo de su propuesta formal está una película que adora el cine y se acerca a él desde la admiración, alegre por devolver a la pantalla grande la expresividad y el lenguaje del cine silente. "The Artist" se vale por si sóla con apenas un par de detalles de guión (ese lunar, esa chaqueta en el perchero), una contagiosa banda sonora de Ludovic Bource y una sucesión de situaciones sugestivas (el claqué tras la lona, el rodaje de la secuencia de baile) para despertar sensaciones clásicas y añejas, aunque su verdadero tesoro está en su pareja protagonista, ese francés de arrebatadora sonrisa y contenida sobreactuación llamado Jean Dujardin (merece el Oscar) y esa argentina que ilumina la pantalla llamada Berenice Bejó.

Transcendiendo a su propia condición, "The Artist" con su narración anacrónica, ingenua, esencial, se ha convertido en un fenómeno que le ha llevado a situarse a las puertas del premio Oscar. Un éxito inesperado pero, si me apuran, necesario para demostrarnos que el cine sobrevivió al cambio y el ser humano superó la mala racha, y vital por alegrarnos la existencia con su encantador despliegue de simpatía y sonrisas.

SILENCIO, LLEGAN LOS OSCAR!

2012-01-24T19:15:00.011+01:00

Hablemos de números. Ni 5 ni 10. Éste año, los Oscar cuentan con 9 candidatas en su categoría reina, la de Mejor Película. Con la incógnita de esa cifra, unida a la de los habituales actores, actrices, directores y títulos que hasta el último momento pugnan por entrar en la lucha final del ansiado premio, afrontábamos la tradicional lectura de nominados al Oscar. En su edición 84, estos premios han vuelto a dar un giro en sus reglas para requerir un porcentaje mínimo y digno de votos a aquellas películas que quisiesen competir por el máximo galardón.

Estableciendo un máximo de 10 películas para esta categoría, solamente 9 de los títulos estrenados en EEUU a lo largo del pasado 2011 han logrado ese 5% exigido. Según los analistas, 7 de ellos tenían su presencia asegurada. Según la pantalla que se ocultaba tras la figura curvilínea de la actriz Jennifer Lawrence (la encargada en esta ocasión de leer las nominaciones), 8 parecían ser las candidatas finales a recitar. En casa de Stephen Daldry todos sabían que había hueco para una novena cinta.

Y es que el director de “Billy Elliot” ha sido la gran sorpresa de estas nominaciones. Adorado por la Academia, que ha nominado todas y cada una de las películas que el director británico ha estrenado a lo largo de su carrera, (desde la citada película del niño bailarín, hasta “El lector”, pasando por “Las Horas”) y cuando los pronósticos auguraban nulas posibilidades para “Tan fuerte, tan cerca”, su sentimental adaptación de la novela post 11-S de Jonathan Safran Foer, ésta ha conseguido colarse en los premios y aumentar hasta la inédita cifra de 9 las candidatas al Oscar.

Sin embargo, ella solamente será protagonista hoy por lo inesperado de su presencia y no el próximo 26 de Febrero cuando se entreguen los galardones. En ese momento la francesa y silente “The Artist”, la fábula de Scorsese “La invención de Hugo” y la independiente “Los Descendientes” competirán por colgarse la medalla de Mejor Película del año.

Si seguimos con las matemáticas, “La invención de Hugo” con sus 11 candidaturas, sería la máxima favorita. Si atendemos a la lógica impuesta por su trayectoria, “The Artist”, con 10 nominaciones, se llevaría el gato al agua.
A nadie le extraña ya las características a contracorriente de la cinta francesa. Eso de ser muda y en blanco y negro ha sido totalmente aceptado por crítica, público e industria y por méritos propios este homenaje a la época dorada del cine es, a día de hoy, la gran favorita al Oscar.

La película amable y desaforadamente correcta del año, “Criadas y señoras”, la deportiva “Moneyball”, la equina y muy Spilbergiana “Caballo de Batalla”, la parisina “Midnight in Paris” y el experimento existencial de Terrence Malick, “El árbol de la vida” completan el grupo de mejores películas del año en una edición donde, probablemente, el Oscar entregado conlleve un homenaje implícito al séptimo arte.

MEJOR PELÍCULA:

Repasadas las presentes, hablemos de las ausentes. “Drive” se ha quedado compuesta (1 única nominación a Mejor Montaje de Sonido) y sin Oscar. La Academia no ha tenido piedad con Eastwood (siempre querido) y su "J.Edgar" (se va de vacío). Si hubiese figurado “Los Idus de Marzo” hubiésemos tenido un atracón de Clooney. “Millenium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres” ha sido demasiado para la Academia que no ha querido todavía compensar a Fincher por el desplante del año pasado.

MEJOR DIRECTOR:

No le ha importado a la Academia el premio a Mejor Director en el festival de Cannes a Winding-Refn por “Drive” y lo ha dejado fuera, pero sí se ha mostrado impactada por el arrollador recital visual de Terrence Malick en “El árbol de la vida”. Por si su condición de gran autor norteamericano no fuera suficiente, Martin Scorsese y Woody Allen completan una terna que servirá a la Academia para presumir de genios. Alexander Payne con el aire emotivo y hawaiiano de sus “Descendants” y Michel Hazanavicius por “The Artist” no podían faltar. La ausencia de Steven Spielberg alimenta la relación de altibajos que la Academia sufre con él.

MEJOR ACTOR:

Lo de esta categoría será como la elección de la revista People al actor más guapo sobre la Tierra; Clooney o Pitt. La lágrima derramada por el bueno de George en “Los descendientes” será difícil de ignorar, pero que suba Pitt con bastón al escenario a recoger su primer y único Oscar tiene su punto. Cuidado, eso sí, con ese francés de nombre tan afrancesado (Jean Dujardin) que con su sonrisa arrebatadora puede colarse entre ellos. Dos guapos ya eran suficiente y Leonardo Di Caprio por su composición de John Edgar Hoover se ha quedado fuera, contra pronóstico. Mismo caso para Michael Fassbender, actor enrachado al que ni aunque enseñe su miembro viril lo nominan y para Ryan Gosling, otro que anda de dulce, pero que no podrá lucir su chupa de escorpión en la alfombra roja. En cambio, la gélida e implacable actuación de Gary Oldman en “El topo” si ha tenido reflejo en las nominaciones. Demian Bichir (mexicano) pone la nota hispana en esta categoría por la película “A better life”. No es tan sorprendente su presencia si echamos un vistazo a las nominaciones del gremio de actores donde ya figuraba.

MEJOR ACTRIZ:

17 nominación para Meryl Streep y 30 años intentando ganar su tercer Oscar. Parece su año, pero a veces, intentar ganarlo tan descaradamente no suele ser beneficioso. La veremos junto a Gleen Close, nominada por "Albert Nobbs" y por fin comprenderemos que se trata de personas distintas. Michelle Williams (tercera nominación para ella) por “My week with Marilyn” y Viola Davis (ojocuidao a ella!) por “Criadas y señoras” serán dos duras rivales para la Sra. Streep. Rooney Mara consigue llamar la atención de la Academia con su esfuerzo físico e interpretativo por encarnar a la punki de Lisbeth Salander en el “Millenium” de Fincher, y de paso la Academia la nombra promesa actual de Hollywood cogiendo el relevo de Jennifer Lawrence.
Se han olvidado de la andrógina Tilda Swinton y de la hermana buena de las Olsen, Elizabeth Olsen, que parecían muy posibles en las nominaciones.

MEJOR ACTOR SECUNDARIO:

No cabe duda de que ésta categoría será un paseo militar para Christopher Plummer, nominado por “Begginers”. Lo veremos junto a Max Von Sydow, nominado por “Tan fuerte, tan cerca” y, de nuevo, comprenderemos que se trata de personas distintas. Si sigue adelgazando no reconocemos a Jonah Hill en la alfombra roja. Está nominado por darle la réplica a Brad Pitt en “Moneyball”. Dos sólidos actores como Kenneth Branagh por "My week with Marilyn"(nominado por quinta vez al Oscar, pero por segunda como actor) y Nick Nolte por “The Warrior”, uno de esos actores con menos nominaciones (3) y Oscar (0) que lo que su larga carrera aparenta. Se echa en falta a Albert Brooks, pero se comprende tras ver el olvido generalizado hacía su película, “Drive”.

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA:

Jessica Chastain es la mujer del año. La podían haber nominado por cualquiera de sus papeles y nos habríamos quedado satisfechos. En “Criadas y señoras” está tan bien como todo el reparto de una película eminentemente coral e interpretativa. De ahí que Octavia Spencer también aparezca nominada en esta categoría por su papel en “The Help”. Si el Oscar a Mejor Actriz va para Viola Davis, tendrá menos opciones, si Meryl Streep gana, el premio será suyo.
Janet Mcteer, es de esas actrices británicas que han aparecido en innumerables títulos ingleses. En “Albert Nobbs” la absoluta protagonista era Gleen Close, pero ella es la autentica robaplanos. La actriz de comedia Melissa McCarthy (“La boda de mi mejor amiga”) da la sorpresa en una categoría no muy propicia a la vis cómica y era casi obligatoria la presencia de Berenice Bejó si “The Artist” quería ser la gran candidata al premio. Mismo quinteto que en las nominaciones del SAG, por la que a la damnificada Shaileene Woodley (“Los descendientes”) no le habrá pillado por sorpresa su ausencia.

APRECIACIONES VARIAS:

- A la Academia no le gusta la técnica del “capture motion”. Solo así se explica que “Las aventuras de Tintín” no esté nominada en la categoría de Película Animada. Primer año sin film Pixar (“Cars 2” no daba la talla) y “Chico y Rita” de Trueba como la gran noticia de esta categoría.

- Alberto Iglesias es el otro español nominado. Su música para “El Topo” tendrá que competir contra el grande entre los grandes, John Williams, una vez más (y van 47 nominaciones) candidato por partida doble por “Tintín” y “Caballo de batalla”. La división de votos no le suele beneficiar; la última vez que figuró por dos películas (en 2005 por “Munich” y “Memorias de una Geisha”), Gustavo Santaolla le arrebató el premio. Ludovic Bource (potencial ganador) por “The Artist” y Howard Shore (con “El Señor de los anillos” llenó la estantería) por “Hugo” completan la categoría de “Mejor Banda Sonora”.

- La iraní “Nader y Simín: una separación” consigue un extra a su nominación a Película Extranjera. Su nominación a Mejor Guión Original, nos recuerda a aquellos tiempos donde Almodovar (injusta aunque comprensiblemente olvidado este año) lograba hazañas similares.

- Solo dos canciones en la categoría de “Mejor Canción”; las de las películas “The Muppets” y “Rio”, demuestran que este apartado no le va a la Academia. Eso se traduce en menos actuaciones en directo y una gala (esperemos) más ágil.

- Woody Allen con sus dos menciones por “Midnight in Paris” logra su nominación número 23. Recordemos que tiene 3 Oscar; dos por “Annie Hall” y uno al guión de “Hannah y sus hermanas”

- Martin Scorsese recibe su 9 nominación al Oscar, que supone la 7ª como director. Lo ganó por “Infiltrados”.

- Ninguna nominación para “Super 8” a la que se le esperaba en categorías técnicas. En cambio la última entrega de “Harry Potter” consigue 3 candidaturas, al igual que la tercera entrega de “Transformers”.

- En el recuento global; a “La invención de Hugo” y “The Artist” con 11 y 10 candidaturas respectivamente, le siguen “Moneyball” y “Caballo de batalla” con 6, “Los descendientes” y “Millenium” con 5, “Criadas y Señoras” con 4 y un grupo formado por “Midnight in Paris”, “El árbol de la vida”, “El Topo”, “Albert Nobbs", “Harry Potter” y “Transformers” con 3 candidaturas.

- Para ver todas la lista completa de nominaciones, como no, visitad la web de Tio Oscar.

LOS POSTERS ALTERNATIVOS DE "DRIVE"

2012-01-18T12:13:00.016+01:00

Un servidor no recuerda una avalancha tan grande de carteles alternativos provocados por una película. "Drive" como película cool y título sensación de la temporada acumula un amplio número de diseños realizados por fans de la película de Nicolas Winding-Refn. Nos hemos dedicado a recopilarlos para que los disfruteis.

GLOBOS DE ORO 2011: Y GERVAIS SE QUEDÓ MUDO

2012-01-16T14:41:00.001+01:00

Aterrizaban los Globos de Oro con dos alicientes; la estimulante presencia, por segundo año consecutivo, de Ricky Gervais como maestro de ceremonias y la necesidad de una película como “The Artist” de confirmar sus credenciales como máxima favorita al premio, después de una carrera hacía el Oscar que, si bien, había dominado, también había permitido crecer a competidoras con posibilidades.

Una vez que los largos vestidos blanquirojos, los tipos con bastón y los veteranos con gafas de sol se ubicaron en sus asientos, comenzó Ricky Gervais a recitar el habitual monólogo de apertura que tanto revuelo causase en la pasada edición. Ya fuese por un toque de atención de la Asociación de la Prensa Extranjera o por falta de acierto personal, los dardos de Gervais llevaron una dirección equivocada, quedando muy lejos de la diana. Un chiste hacía el castor de Jodie Foster (“parrús” según la traducción espontánea de Canal Plus!), un recuerdo a “The Tourist” con Johnny Depp presente en el escenario o una mención a la renuncia de Eddie Murphy a presentar los Oscar fueron algunos de los mejores momentos de un Gervais desinflado y sin gancho que quedó a años luz de su actuación en la pasada edición, viendo como Banderas o George Clooney le ganaban la partida en ocurrencia y humor.

Christopher Plummer fue el primero en subir a recoger su Globo. Entrañable como un anciano gay con cáncer en “Begginers”, el que fuese el Coronel Von Trapp en “Sonrisas y lágrimas” o Henrik Vanger en la reciente versión de “Millenium” de Fincher conseguía así el primer Globo de Oro de su carrera y probablemente logrará también su primer Oscar. Merecido galardón como interpretación particular y como reconocimiento a toda una carrera.

Los premios televisivos sucedieron al galardón de Plummer. Fuimos testigos de cómo la británica “Downtown Abbey” (que de mini-serie tiene poco) le ganaba la partida a “Mildred Pierce” en la categoría de “Mejor Mini-serie o “TV-Movie”, vimos como el titán de Bryan Cranston (todo un cachondo en la alfombra roja) perdía como “Actor dramático” en favor del boss Kelsey Grammer (AKA Frasier). “Homeland” se confirmaba como el mejor estreno televisivo del año y “Modern Family” lograba el premio de comedia que “Glee” le arrebató en la edición anterior. Kate Winslet por “Mildred Pierce”, Claire Danes por “Homeland”, Peter Dinklage (un Lannister siempre recoge sus premios) por “Juego de Tronos”, Laura Dern por “Iluminada”, Idris Elba (AKA Stringer Bell) por “Luther”, Matt LeBlanc (AKA Joey Tribbiani) por “Episodes”, y el merecidísimo a Jessica Lange por “American Horror Story” cerraron con sus reconocimientos el apartado televisivo de la gala.

¿Hay favorita?

En las ediciones en que la favorita del año pugna en la parte de la comedia/musical, la categoría dramática cobra una vital importancia. Y en esa circunstancia la omnipresencia de George Clooney y su sonrisa de tío encantador a punto de invitarte a un café le auguraban momentos de gloria. “Los descendientes” de Alexander Payne (“Entre Copas”) hizo valer el atractivo de su protagonista y se hizo con el premio a Mejor Película en Drama y Mejor Actor en Drama confirmándose como la principal rival de la silente película francesa. Por su parte, Meryl Streep lograba el premio a Mejor Actriz dramática por ese biopic de Margaret Thatcher (Joaquín Reyes ya lo hizo y lo hizo mejor) hecho a su medida llamado “La Dama de Hierro”.

Woody Allen, ausente en la gala, veía recompensado el éxito de su película más popular en años, “Midnight in Paris” con el premio a Mejor Guión y reforzando la condición de favorito de cara al Oscar a Mejor Guión Original. Ganó por encima de los guiones de “Los descendientes”, “Moneyball” (de la dupla Sorkin-Zaillan) o “The Artist”, lo cual demuestra que en los Oscar todo puede pasar. Y en ese reparto discriminado de premios Martin Scorsese ganaba el Globo a Mejor Director por “La invención de Hugo” en otro galardón que añade todavía mayor emoción a la futura edición del tio Oscar.

Si Allen y Scorsese consiguieron premio, Spielberg no podía irse de vacío. Su película “premiable” del 2011 ha sido “War Horse” aunque parece que los premios le van a caer por ese divertimento animado llamado “Las aventuras de Tintín”. Mejor Película Animada para ella. John Williams se fue de vacío por su música para la película del caballo en beneficio de Ludovic Bource que pidió perdón por ser francés y de paso se llevó el Globo a Mejor Banda Sonora por “The Artist” a París.
Lo único que se llevó Almodóvar a Madrid fue la adoración pública de Angelina Jolie. “La piel que habito” su película más valiente y arriesgada no encontró el beneplácito de los americanos y sucumbió frente a la imbatible “Nader y Simin: una separación” de Irán.

La sonrisa irreductible de Jean Dujardin por “The Artist” y la recreación de Marilyn Monroe llevada a cabo por Michelle Williams (que anoche parecía la mezcla perfecta entre Karina y Monchito) en “My Week with Marilyn” se alzaron con los reconocimientos en las interpretaciones de comedia o musical. Octavia Spencer lograba, a su vez, el premio a Actriz Secundaria, único para la coral y demasiado amable “Criadas y señoras”.

Sobra decir a estas alturas que “The Artist”, que no sólo es muda, en blanco y negro y francesa, sino que también es comedia y también es musical conseguía el máximo premio que honra a estos géneros y completaba así tres Globos de Oro suficientes para ponerle la vitola de rival a batir. Deberá tener cuidado y ganarse el favor de los gremios de la industria si quiere optar a un premio mayor en los Oscar.

Ah, y se nos olvidaba. Puestos a repartir, los Globos de Oro premiaron la canción de Madonna para película “W.E.”. Ricky Gervais le soltó un chiste poco original (“Madonna vive en un mundo material y es como una virgen) y Madonna le citó para quitarle su virginidad. Otro punto perdido para Gervais para cerrar una noche donde el glamour se impuso al cinismo y donde prácticamente todos se fueron cenados y satisfechos con la velada, aunque con, todavía, deberes por hacer.

MILDRED PIERCE: EL DRAMA ENTRE PASTELES

2012-01-13T14:26:00.003+01:00

Mientras “Alma en Suplicio” (“Mildred Pierce”, 1945) era una de las muchas producciones de cine negro con las que Warner Bros enriqueció el cine norteamericano de los años 40, la “Mildred Pierce” (2011) realizada por la cadena televisiva HBO ignora cualquier toque noir para ahondar en el carácter melodramático de la obra escrita por James M. Cain (“El cartero siempre llama dos veces”) ofreciendo así a su protagonista principal, Kate Winslet, un vehículo para su lucimiento interpretativo.
Ya ocurrió en la primera versión, cuando la “divisima” Joan Crawford lograba su único Oscar en un papel que, como otros muchos, disputó hasta el último momento a Bette Davis.

Sea cual sea el género desde el que se afronte el relato, es el personaje de Mildred Pierce, sufridor, abnegado, honesto, el verdadero activo de la obra. Una deliciosa tarta para una actriz. Un dulce de personaje con el que desplegar un completo catálogo de dotes dramáticas.

Michael Curtiz (“Casablanca”) utilizó flashbacks, enfatizó a la femme fatale, jugó con los claroscuros y buceó en las traiciones de género. Todd Haynes (“Lejos del cielo”) se lo da todo a Winslet y ese todo reside en la historia de superación personal de una madre en la época de la Gran Depresión americana. Melodrama puro que se acerca más al tono clásico de Douglas Sirk que a lo que Michael Curtiz y la Warner propusieron.

En sus 5 episodios de alrededor de 1 hora de duración seremos testigos de la evolución de Mildred y su lucha constante con el entorno donde no falta una buena crisis económica (empecemos a hacer paralelismos), tragedia familiar, lucha de clases, emancipación de la mujer, romances y dificultades materno-filiales.
La visión de Haynes es condescendiente con la figura de Mildred. Quizá demasiado. Es,casi exclusivamente, la serie de una mujer de carácter en la que los secundarios (Melissa Leo, Guy Pearce, Brian F. O´Byrne) giran a su alrededor sin posibilidad de cobrar entidad y donde la malvada (y también estereotipada) Veda Pierce (Evan Rachel Wood) es la única que goza de mayor cancha para hacer sombra al poder de Winslet/Pierce.

No todas las situaciones narradas tienen la fuerza dramática que su puesta en escena, ambientación e interpretación principal reclaman y su propuesta marcadamente clásica y actoral llega a perjudicar a la visión de Haynes, que olvida reforzar las subtramas en beneficio de su amado personaje, provocando numerosos altibajos en la narración cuando las desgracias y el sacrificio de Pierce desaparecen dejando paso a la corrección generalizada y a otros conflictos (comprar una casa junto a Monty Beragon, encontrar un profesor adecuado de piano) de menor interés.

La sensación es grata aunque algo insípida, alguna pizca del noir de Curtiz no le habría venido nada mal a esta revisión, que, sin embargo, ofrece una inmensa galería interpretativa de la que probablemente sea la actriz más en forma del momento actual, Kate Winslet, en uno de los papeles femeninos más agradecidos que se hayan escrito.

BLACK MIRROR: LOS MALES DE LA SOCIEDAD TECNOLÓGICA

2011-12-30T14:19:00.000+01:00

Investigar sobre la figura de Charlie Brooker supone encontrar a un personaje todoterreno con un punto de mira airadamente definido. En sus columnas del diario “The Guardian” , en sus libros (“The Hell of it All”), en sus late-nights, o en producciones televisivas como ese Gran Hermano Zombie llamado “Dead Set” o la metaserie de la BBC, “Como la tele ha arruinado tu vida”, Brooker ha apuntado hacía una misma dirección, el avance de la sociedad tecnológica, el poder de los massmedia, la adicción a todo tipo de gadgets y redes, en definitiva, la gradual perdida de las interrelaciones personales en favor del contacto virtual.

Con su último proyecto, “Black Mirror”, Brooker ha vuelto a dar rienda suelta a su sarcasmo, capacidad crítica y a su visión con un punto catastrofista de una sociedad que adquiere e interioriza nuevo vocabulario tecnológico (Ipad, Macbook, Android, Wii, Trending Topic o Timeline) a una velocidad pasmosa.

Su discurso es agresivo, actual, directo y convincente. Todos nos sentimos identificados porque todos dedicamos minutos de nuestro tiempo a diseñar un avatar, a ganar puntos de experiencia con videojuegos, a subir nuestras fotos más recientes a facebook o a contar lo que pensamos en 140 caracteres. “Black Mirror” es real. Nos trasmite lo nocivo de la tecnología, asentimos con la cabeza y nos convencemos de su discurso para acto seguido, colgar en facebook nuestra impresión y recomendar la serie a nuestros amigos en una contradictoria e inevitable reacción.

Dividida en tres episodios independientes entre sí pero con el citado punto de vista en común, “Black Mirror” es un brillante acercamiento a nuestra realidad desde sociedades ficticias y distópicas. Un pequeño “twilight zone” (The Twilight zone de la era facebook como lo definió el propio Brooker) repleto de lúcidas y sugerentes ideas de ciencia ficción que entroncan con claros referentes del género como Orwell, Huxley, K.Dick o Kubrick.

Vayamos por partes. Partes, eso si, no exentas de spoilers:

Episodio 1: The National Anthem.

Imagínense que la princesa Leticia es secuestrada y que únicamente será puesta en libertad si Mariano Rajoy se folla a un cerdo en directo en La1 a la hora marcada por los secuestradores y bajo unas pautas básicas que impidan montaje televisivo alguno.

Esa es la premisa de la que parte el primer episodio de “Black Mirror”, claro está, cambiando a Leticia y a Rajoy por una joven princesa británica y un comprometido primer ministro británico. Sorprendente e inesperado inicio que ya augura la valentía del producto y a partir del cual “The National Anthem” desarrolla una ácida mirada a la velocidad de propagación de un suceso y/o noticia y a la democratización de la opinión provocada por la aparición de plataformas sociales como twitter, facebook y youtube.

El relato es riquísimo a la hora de plantear situaciones; las maniobras del gabinete de gobierno para censurar y alterar el chantaje, el dilema moral y un tanto patriótico de la televisión británica a la hora de difundir la coacción (que se esfuma conforme la noticia va adquiriendo popularidad), la capacidad de opinión del ciudadano para marcar la decisión final del máximo mandatario y por supuesto la imposibilidad de frenar la transmisión de tal noticia gracias al auge mediático de las nuevas vías de comunicación sociales en perjuicio de los medios tradicionales (la televisión sale, claramente, desfavorecida del relato). Su implacable plano final demuestra que, siempre, hay consecuencias, se tome la decisión que se tome.

Es éste el capítulo más alejado de la ciencia-ficción y el que menos gustará a Downing Street, la Casa Blanca o la Moncloa. Un episodio redondo.

Episodio 2: “15 Million Merits”

Nada que ver con su predecesor, al menos en el plano estético y conceptual. El capítulo más lleno de referentes (mezcla tú a George Orwell con Fusajirō Yamauchi y ponle música de Clint Mansell) y claramente enmarcado en la ciencia-ficción futurista donde tras una sociedad milimétricamente estructurada, pulcra, alienada, se esconde una deshumanización, sometimiento y totalitarismo absoluto del ser.

Ideas muy locas y maravillosas como ganar meritos haciendo bicicleta estática, vivir en cubículos con múltiples dimensiones, interactuar como avatar y no como persona, encontrar un “engañoso” escape a la realidad a través de un reality-show como “Factor X” y beber un zumo de obediencia, aportan al relato un excelente universo distópico cuya narración es completamente aséptica hasta que se entablan relaciones humanas.

Excelente el momento en que Jessica Brown-Findlay (“Misfits”, “Downton Abbey”) interpreta el clásico “Anyone who knows what love is” de Irma Thomas (en el top de los charts británicos desde la aparición en la serie) y enorme detalle recurrente de guión el de la manzana atascada en la maquina expendedora que demuestran la grandísima calidad del producto.

Episodio 3: “The entire history of you”

Casualmente la reciente llegada del Timeline (Biografía) de Facebook nos permite albergar en la red social todos los momentos visuales de nuestra vida, compartiendo y exponiendo cada vez unas vivencias que hasta no hace tanto eran exclusivamente nuestras. Lo que plantea “The entire history of you” se aproxima a lo que, a pequeña escala, intenta desarrollar Mark Zuckerberg desde una óptica muy a lo "Minority Report"; la organización de los recuerdos, su visualización instantanea, su proyección social en pantallas LED de grandes pulgadas. Con sólo una cápsula insertada en las cabezas de los protagonistas y un pequeño mando a distancia es posible rebobinar y contemplar cada momento vivido.

"The entire history of you" acierta de pleno al enfocar esta idea hacía un terreno íntimo y personal como el de las relaciones de pareja. Dirigir la peligrosidad de este método hacía los agujeros de la confianza, los celos y la carga culpable. Las imágenes como pruebas, los vacíos como indicio. La coteidianía de la propuesta pone los pelos de punta y perturba gracias a momentos como esa relación sexual en la que cada parte visualiza sexos pasados y más pasionales, o la autoflagelación sentimental en forma de repetición de una diálogo aparentemente nimio sobre cereales.

El final está a la altura de la contundencia de sus dos capítulos anteriores. Estabas en lo cierto, pero ahora, ¿tendrás valor para seguir viviendo sabiendo que tu vida es, precisamente, un cúmulo de recuerdos imborrables?. De nuevo un colofón genial de una miniserie imprescindible para entender estos nuevos tiempos en que nos encontramos. Una pequeña obra maestra de la televisión, paradojicamente el medio más odiado por Charlie Brooker.

MOMENTAZOS Y DETALLES DEL 2011

2011-12-27T18:16:00.010+01:00

- Los primeros planos de un tartamudo Colin Firth en “El discurso del Rey”. Flema inglesa para el Oscar.

- “Más allá de la vida” o la enésima ocasión en que Clint Eastwood demuestra su elegancia tras las cámaras. Mención especial a la secuencia culinaria y vidente entre Matt Damon y Bryce Dallas Howard y al aterrador tsunami tailandés.

- La interpretación del año no es otra que la de una desdoblada Natalie Portman en “El Cisne Negro”. Oscar al canto!.

- A destacar la delgadez de Christian Bale en “The Fighter”. Unos kilos menos bien valen un Oscar.

- La crudeza de “Secuestrados”, hiperrealismo y violencia cotidiana en una película no apta para José Luis Moreno.

- El reconocimiento generalizado a la figura de Agustí Villaronga, gracias a su pan negro.

- Premio a la película más divertida del año: "Piraña 3D"; penes, pechos y pirañas.

- Premio a las Películas funestas del año: “Caperucita Roja” de Catherine Hardwicke, “Que dilema” de Ron Howard. “Amigos” de Borja Manso y Marcos Cabotá y “Primos” de Daniel Sánchez Arévalo.

- “Código Fuente”, “Destino Oculto” e “In Time”; modestas y entretenidas propuestas futuristas del 2011.

- La belleza fue filmada por Terrence Malick y Lars Von Trier en “El árbol de la vida” y “Melancolía”, dos títulos hermosos, ampulosos, ególatras, existenciales y poseedores de un genio único. Dinosaurios incluidos.

- Hablando de “Melancolía”, las casualidades del 2011 nos han deparado dos títulos con réplicas terráqueas. “Otra Tierra” era una interesante propuesta indie a reivindicar.

- “Super 8” nos devolvió a nuestra más tierna infancia ochentera. Mención especial a la música de Michael Giacchino.

- “Buried” entre pedriscos. Esa fue “127 horas”, donde el reducido espacio entre rocas impidió a James Franco moverse pero no a la cámara de Danny Boyle.

- De dramones del corazón sabe mucho Anne Hathaway. “Amor y otras drogas” y “One Day” nos enseño a una actriz abnegada por el romance.

- Como diría Parada, esto si que es cine de barrio: “Attack the block” y “Carne de Neón” fueron las pelis más “barriobá” del año.

- Gigoló en “Crazy Stupid Love” y el puto amo en “Drive”. Ryan Gosling ha sido el actor más cool del año y su chupa en la singular cinta de acción la prenda más “in” del 2011.

- En “El castor (The beaver)”, Mel Gibson demostró ser un ventrílocuo aceptable.

- No abundan los buenos thrillers judiciales. “El inocente” aprobaba con buena nota su asignatura de derecho cinematográfico.

- A destacar las entrañables y cómicas idas y venidas temporales de “El mundo según Barney” y la encantadora interpretación de Paul Giamatti y Dustin Hoffman.

- “El último exorcismo” o como provocar escalofríos desde el falso documental.

- Muy fan de los cubatas que se echa José Coronado en la muy recomendable “No habrá paz para los malvados”.

- La atmósfera europea-kitsch de “Hanna”. Peli de culto ya!

- “Furia ciega” más que serie B era serie Z. Nicolas Cage es pura diversión.

- La arrebatadora confesión de “Incendies”, una película para degustar.

- Poco se esforzaba “Resacón 2” en ofrecer algo más que lo que dio en su primera entrega. Un mono gracioso no es suficiente.

- Kate Winslet o como vomitar sobre un libro de arte para exasperación de Jodie Foster en “Un dios salvaje”, la película “entre cuatro paredes” de Roman Polanski

- Sexo hablado el de “Un método peligroso”, la peli de Cronenberg que no parece de Cronenberg.

- El remake innecesario de 2011; “Perros de Paja”. Ni James Marsden es Dustin Hoffman ni Kate Bosworth le llega a los talones a Susan George.

- El remake acertado de 2011: “Noche de miedo”. Vampiros con forma de Colin Farrell.

- Hablando de Farrell, nunca ha lucido tan chulo como en “London Boulevard”, apreciable y scorsesiano debut en la dirección de William Monahan.

- Para mafias, las de la familia australiana de “Animal Kingdom”, con unos hermanos desorientados y peligrosos y una madre cómplice.

- Maneras de retener a un nazi. “La deuda” era un estimulante thriller de espionaje.

- Premio “Actores hasta en la sopa” del año: Jessica Chastain (“Criadas y señoras”, “La deuda”, “El árbol de la vida”) y Michael Fassbender (“Un método peligroso”, “Jane Eyre”, “X-Men Primera Generación”)

- “Insidious” fue la más completa película de terror del año. Un túnel del terror donde no faltaba ningún elemento del género.

- Y de casas con misterios hemos tenido unas cuantas en 2011. Desde “Intruders” hasta “Detrás de las paredes” pasando por nuestra favorita, “No tengas miedo a la oscuridad”, cuento gótico con unos ratoncitos muy revenidos.

- Bravo por Christopher Plummer en “Principiantes”. Como ser gay a los 80.

- “Los chicos están bien” o como ser madre lesbiana y tener una familia funcional.

- El mal rollo que daba “Contagio”. Desde que la vi, vivo con miedo de que un murciélago pueda toparse con un cerdo.

- Brillantes y desbordantes las set pieces de “Las aventuras de Tintin”. Spielberg se lo pasaba en grande.

- Misma historia, diferente resultado. “La victima perfecta” era un telefilm barato. “Mientras duermes” hacia bueno eso de “mal de muchos…”. Excelente Luis Tosar.

- La secuencia de Skype de “Puzzled Love” es el mejor momento de cine español del año. Rita Pavone tiene mucho que ver.

- Ingeniosa y retorcida idea, deficiente ejecución. Parte 1; “La cara oculta” de Andrés Baiz

- Ingeniosa y retorcida idea, deficiente ejecución. Parte 2; “La trampa del mal” de John Erick Dowdle

- “Winter's bone” nos descubrió a una excelente promesa, Jennifer Lawrence. Apodemosla como la nueva Scarlett Johannson con mejores dotes (interpretativas, no piensen mal).

- Un Juan Carlitros no es suficiente. “No controles” nunca llegaba a despegar.

- El sleeper del año en los EEUU fue una comedia demasiado boba y repleta de tópicos; “La boda de mi mejor amiga”.

- Arriesgada fue la apuesta de Almodóvar con “La piel que habito”. Una película tan genial como suicida.

- “El origen del planeta de los simios” nos demostró que todavía hay esperanza tras la palabra “reboot”. El simio Caesar lo petaba.

- Una de familia de italianos que gritan, se odian y se quieren. “La prima cosa bella” fue la película más azzura del 2011.

- Una de franceses que hablan, hablan, hablan, beben vino y también hablan. “Pequeñas mentiras sin importancia” fue la película más francesa del 2011.

- La sombra de Edgar Wright resultó demasiado alargada para “Paul”, donde la pareja Pegg-Frost no fue suficiente.

- Montxo Armendáriz se puso demasiado serio. “No tengas miedo” era un dramón espinoso extremadamente documentado y veraz.

- “Nunca me abandones” mezcló drama romántico con ciencia-ficción. El casting se encargó de estropearlo.

- El Woody Allen más ocurrente estuvo de viaje en Paris. “Midnight in Paris” era una deliciosa comedia. Mención especial a la escena de los surrealistas.

- El metacine lo puso “Scream 4” rizando el rizo de su propia saga. No estuvo mal, pero Craven debería parar aquí.

- El que, sin duda, debe parar es Jack Sparrow. “Piratas del Caribe 4: en mareas misteriosas” es otro estirón de la fórmula sin orden ni concierto.

- No podemos considerar como cine a “Torrente 4”. Sí como sucesión de gags y cameos audiovisuales. La cuota de pantalla española, sin embargo, consiente semejante ultraje.

- Mientras Natalie Portman siga haciendo cisnes negros haremos la vista gorda a títulos como “Caballeros, princesas y otras bestias” o “Sin compromiso”, la cual, al menos, era tenía un buen score de John Debney.

- Buen ejercicio de dirección el de Iciar Bollaín en “También la lluvia” cuyos tres frentes argumentales encajaron a la perfección gracias a la inestimable ayuda de su marido, Paul Laverty.

- En verano de 2011 los superhéroes no fueron a la playa, fueron al cine. “X-men: Primera generación”, “Thor”, “Capitán América” o “Linterna Verde” llenaron las salas (algunas de público, otras de aire) en la época estival. De todas ellas nos quedamos el entretenido reboot de los mutantes gestado por Matthew Vaughn.

Obviamente no están todas las que son. Esta es una de esas listas llenas de carencias y olvidos. Todos son premeditados salvo aquellos que por su fecha de estreno no hemos tenido todavía opción de ver y que probablemente entrarian en esta lista con suma facilidad (vease "The artist", "El Topo" o "Arthur Christmas"). Dicho esto solo me queda felicitar el año 2012 a todos! A pesar de la crisis lo superaremos. Buen cine!

7 VIDEOS DEL 25 DE DICIEMBRE..FUN, FUN, FUN

2011-12-25T13:19:00.003+01:00

LO MEJOR DEL 2011

2011-12-19T14:17:00.005+01:00

1. LA PIEL QUE HABITO: “La piel que habito” era una obra valiente, temeraria, desbordante, retorcida, extravagante, bizarra, que caminaba siempre en esa delgada línea que separa lo genial de lo ridículo y que era dueña de una enorme capacidad para generar el caos y la atracción a partes iguales hasta perturbar los sentidos del espectador. Mezcla de géneros inusuales para el manchego, es sin duda su película más arriesgada donde el director de “Hable con ella” alcanza el súmmum de su expresión visual confirmándolo como uno de los grandes de la realización cinematográfica al tiempo que marca taxativa y definitivamente sus señas de autor para regocijo o desesperación del espectador. Una obra singular de un cineasta inimitable.

2. CISNE NEGRO: Da igual la profesión, Darren Aronofsky, se está conviertiendo en el mejor retratista de las obsesiones, ambiciones e inseguridades de sus personajes, ya sean bailarinas, luchadores de wrestling o matemáticos. En “Cisne Negro”, el realizador llevaba al extremo físico y mental el ansía de perfección de una inconmensurable Natalie Portman en un título con ecos del cine de Polanski, que proporcionó, por fín, un merecido Oscar a la protagonista de “Beautiful Girls”.

3. MEDIANOCHE EN PARIS: ¿Quién dijo que Woody estaba atrapado en la repetición de ideas?. El neoyorkino se sacó de la manga este encantador homenaje a la ciudad de Paris y la cultura universal con el enorme sentido del humor e ingenio al que nos acostumbró con películas como “La rosa púrpura del Cairo” o “La maldición del Escorpión de Jade”. Un desfile de genios artísticos de la mano de otro genio, en este caso del séptimo arte para la más ocurrente cinta de Allen en años.

4. HANNAH: Película con clara vocación de culto, de singular atmósfera impregnada de ciencia ficción, thriller europeo y estética de los 70 con aires de cuento tradicional, Hannah es, sin duda, la idea más abstracta y deliciosamente loca de este 2011. Un sorprendente cambio de registro para el habitualmente clásico Joe Wright (“Expiación”) que nos dejaba algunos planos secuencia marca de la casa y una música francamente pegadiza de, nada más y nada menos, que los Chemical Brothers. Rara, si, pero llena de personalidad.

5. EL ARBOL DE LA VIDA: Película contemplativa, filosófica, trascendental , metafísica y naturista, donde tan pronto se habla de la creación como de religión, se observan dinosaurios como imágenes de accidentes geográficos. “El árbol de la vida” no era, precisamente, una película fácil. Una obra, por momentos, suicida, a ratos, tocada por la varita de la genialidad pero sobre todo única en su especie. Su singular montaje de miradas humanas, pequeños detalles y texturas cotidianas, y su discurso sobre el amor, los sentidos, la protección, la autoridad y la esperanza cautiva y toca la fibra del espectador tanto como desconcierto su discurso cósmico, microscópico y ateo.

6. MÁS ALLA DE LA VIDA: El cine de componente sobrenatural encontró en Clint Eastwood el autor perfecto para desarrollar su vertiente más drámatica. Sin fantasmas que asusten, sin golpes de efecto, sin gritos en la noche, Eastwood habló de la carga de un médium, de las experiencias traumáticas con la muerte y de la perdida de una manera absolutamente natural y como siempre, con una elegancia solo apta para directores de su talla. Tres historias independientes que acabarán encontrandose y en cada una de las cuales Eastwood deja momentos para el recuerdo, un tsunami sobrecogedor, una secuencia de cocina preciosa y una explosión en el metro son imágenes para redondear aún más la carrera de un creador único.

7. EN UN MUNDO MEJOR: Varias han sido las películas que en los últimos años han hablado de la violencia infantil y el enfretamiento adulto hacía el problema. Desde “La cinta blanca” hasta “Un dios salvaje” pasando por “En un mundo mejor” la cinta danesa ganadora del Oscar a la mejor película de habla no inglesa y dirigida Susanne Bier, la cual desde un suceso aislado protagonizado por niños genera suficientes preguntas y situaciones mayores como las relaciones paterno-filiales, la incomunicación, el dolor, el acoso escolar, la violencia y la ética e incluso las diferencias entre el Primer y Tercer Mundo. Una película completa y real.

8. SUPER 8: Solo JJ.Abrams podía hacer una película “calco” del cine familiar de los 80 y salir triunfante. “Super 8” no es nada que no hubiésemos visto antes, pero si algo que llevabamos tiempo sin ver, lo cual permite que aflore la nostalgia y el recuerdo entre el espectador. En ello radica el triunfo de este título deudor del cine spielbergiano de los 80 cuyo mayor logro está en la perfecta recreación de la manera de hacer cine de aquel tiempo, destellos de luz en el objetivo, mirada y protagonismo infantil, música “johnwillianizada” y granulado en la fotografía incluidos. Un viaje en el tiempo a nuestra más entrañable infancia.

9. CONTAGIO: No tuvo que recurrir Steven Soderbergh a zombies o infectados violentos para describir una desoladora y alarmante situación de pandemia mundial capaz de generar escalofríos. Con grandes dosis de realismo y un sólido reparto en el que figuraban Kate Winslet, Jude Law, Marion Cotillard o Matt Damon el director de “Traffic” realizó algo así como una versión no oficial y aumentada de las consecuencias de la Gripe A moviendo su cámara con energía e inteligencia entre continentes y dejándonos una sensación de fragilidad del ser humano como pocas películas consiguen.

10. CODIGO FUENTE: Ecos de “12 monos”, de la literatura de Philip K. Dick, espejismos de “El chip prodigioso” y los más visibles a “Atrapado en el tiempo” se daban la mano para deleite del fan de la ciencia ficción en “Código Fuente” un producto de genero altamente entretenido, modesto y con un bello final que convierten al segundo trabajo de Duncan Jones (“Moon”) en una de esas pequeñas muestras de cine fantástico que de vez en cuando es agradable encontrar.

WISHLIST NAVIDEÑA FNAC 2012

2011-12-10T11:17:00.007+01:00

Que si el euro tal, que si la crisis cual, que si el paro por aquí, que si expedientes de regulación de empleo por allá. Sumidos en un entorno complicado, unicamente pedazos de ilusión y sueños de fortuna parecen sacarnos de el contexto en que nos encontramos. Muchos confian en el Gordo, algunos en el señor Rajoy y yo, podeis llamarme "materialista", sólo quiero que Fnac me conceda los regalos de su concurso "Wishlist navideña". Porque empezar 2012 revisando la saga "Star Wars" en blu-ray, jugando al "Uncharted 3" en la ps3 o leyendo "Once Vidas" de Mark Watson estoy seguro que ayuda a uno a olvidar las penas. Así que, señores de Fnac, estos son mis deseos. Si resulto agraciado no se reducirán las cifras de paro pero si aumentareis el índice de alegría de la población.

- Pack 1ª temporada de "Breaking Bad". 29,99 €
- Pack 2ª temporada de "Breaking Bad". 29,99 €
- Pack Saga completa "Star Wars". Blu-Ray. 87,99 €
- Star Wars. Figura Stormtrooper deluxe statue. 199,99 €
- Pack Evolución: El Planeta de los Simios. Blu-Ray. 69,99 €
- Apple iPad 2 con WiFi y 3G. 32 GB. Negro. 699 €
- Apple iPad Smart Cover. Negro. 69 €
- Libro "Once vidas" de Mark Watson. 17 €
- "Uncharted 3: La traición de Drake" ps3. 62,96 €
- "Pro Evolution Soccer 2012" ps3. 44,96 €
- Cámara Canon EOS 600D Réflex. 699 €

Total: 2009,87 €

EL TIEMPO EN SUS BRAZOS

2011-12-05T20:22:00.008+01:00

Al parecer fue Benjamin Franklin el que, en su día, pronunciase aquello de “El tiempo es oro”, expresión hecha, que ahora el director Andrew Niccol transforma en ciencia-ficción distópica con mucho de metáfora social actual.

Niccol, experto en estas futuristas y, porque no, visionarias lides (director de “Gattaca”, guionista de “El Show de Truman”), se embarca en otra de sus sociedades imaginarias en “In Time”, donde el bien más preciado es el propio tiempo de vida de cada ser humano, frenado a los 25 años y prorrogado contra el reloj durante el resto de sus existencias.

Una premisa argumental atractiva y potente, con la que Phillip K. Dick podría estar satisfecho y que ofrece a Niccol multitud de posibilidades para crear un bonito, pequeño y perdurable clásico de la ciencia-ficción al estilo de “Desafío total” o “La fuga de Logan”, con las que la presente guarda alguna que otra similitud.

Y lo cierto es que “In Time” cumple con ese cometido y aprovecha sus propias posibilidades mientras no abandona el campo de la ciencia-ficción, desarrollado lecturas subversivas, mostrándose como espejo de estos tiempos de diferencias sociales, abuso de poder e indignación popular que vivimos, planteando cuestiones éticas y existenciales y jugando con elementos futuristas singulares y fascinantes como brazos con cuentas regresivas, la figura de los llamados “cronometradores” o el tiempo como moneda de pago. Cuando lo hace, “In Time” muta en lo que también es (o no tiene más remedio que ser), un thriller palomitero y convencional donde Justin Timberlake juega a ser James Bond hasta encontrar a Amanda Seyfried y pasar a ser Bonnie & Clyde.

Correr deja de ser una necesidad vital para convertirse en mera excusa argumental y la cinta pierde su encanto de género al transitar lugares comunes de la acción persecutoria en la que Timberlake y Seyfried con un romance atropellado y de nula química y Alex Pettyfer o Vincent Kartheiser (el trepa Pete Cambell de “Mad Men”) componiendo dos villanos de escasa entidad (por suerte anda por ahí Cillian Murphy para compensarlo) acaban por empañar el interés suscitado por una propuesta que al menos marca una coherencia en la carrera de su realizador, un Andrew Niccol especialmente dotado para generar futuros imperfectos y envolverlos con una sugerente puesta en escena pero, en esta ocasión, demasiado servilista con las exigencias de su industria.

OSCAR 2012. EMPIEZA LA CARRERA!

2011-11-28T18:33:00.015+01:00

LOS DESCENDIENTES
Probabilidades de nominación: 90%.

-Drama contemporáneo de superación personal que reúne temas muy queridos por la Academia como familia, infidelidad y tragedia.

- Puede ser la ocasión para que la Academia reconozca definitivamente a Alexander Payne (“Entre Copas”, “A propósito de Schmidt) y ya sabemos de sobra el cariño que esta tiene por George Clooney

Mayores opciones: Película, Director, Guión Adaptado, Actor Protagonista (Clooney)

CABALLO DE BATALLA
Probabilidades de nominación: 90%

- ¿Quién se atrevería a dejar fuera de las nominaciones al Spielberg dramático, épico y bello?

- Música de John Williams, fotografía de Kaminski, montaje de Michal Kahn y guión de Richard Curtis, ¿alguien da más?.

- Su intenso sabor a Oscar puede empalagar a más de un académico.

Mayores opciones: Película, Director, Guión Adaptado, Banda Sonora, etc…

J.EDGAR
Probabilidades de nominación: 50%

- Un título de Eastwood siempre hay que tenerlo en cuenta, pero su componente homosexual, que ha levantado polémica, y su alta presencia en ediciones anteriores parecen restarle posibilidades.

- Di Caprio parece estar de premio y su diseño de producción da empaque a la cinta.

Mayores Opciones: Película, Director, Guión, Actor Protagonista (Di Caprio)

THE ARTIST
Probabilidades de nominación: 90%

- La sorpresa del año. Maravilloso canto al cine desde el retorno a sus orígenes. Los hermanos Weinstein andan detrás.

- Es francesa, muda y en blanco y negro y aún así eso no parece ser un problema.

Mayores Opciones: Película, Director, Guión, Actor principal (Dujardin), Actriz secundaria (Bejo).

CRIADAS Y SEÑORAS

Probabilidades de nominación: 60%

- El sleeper del 2011 en los EEUU.

- Ocuparía la porción “racial” y “humana” de las nominaciones.

- Que es la era Obama y que Oprah está haciendo campaña.

Mayores Opciones: Película, Guión adaptado, Actriz principal (Davis), Actriz secundaria (Stone, Spencer, Chastain).

LA INVENCIÓN DE HUGO
Probabilidades de nominación: 50%

- Aunque parece un film puramente familiar y navideño, detrás de él está Martin Scorsese, un sólido reparto, una historia mágica y un homenaje cinéfilo a Meliés.

- El problema es que al final, sea solamente eso, un film familiar, y no sea capaz de trascender.

Mayores Opciones: Película, director, banda sonora, categorias técnicas

DRIVE
Probabilidades de nominación: 40%

- Demasiado cool para la Academia, no excesivamente dada a nominar films inmediatos de culto.

- A su favor, el premio en Cannes para su director, Nicolas Winding Renf y la magnética presencia de un actor al alza como Ryan Gosling.

Mayores opciones: Director, Actor Principal (Gosling), Actor Secundario (Brooks)

YOUNG ADULT
Probabilidades de nominación: 20%

- Se las prometía felices, pero Diablo Cody ya tuvo su momento.

-No parece que vaya a ser superior a “Juno” o a “Up in the Air”, con los que ya se recompensó la labor de Jason Reitman, reincidiendo de nuevo en la temática de adultos incapaces de madurar.

Mayores opciones: Guión, Actriz Principal (Theron)

SHAME
Probabilidades de nominación: 40%

- Demasiado sexo para Hollywood. No por explicitud, si por la incomodidad de su narración de una sexualidad viciada y patológica.

- Veremos si la Academia es capaz de obviar la meteórica carrera del dúo Steve McQueen y Michael Fassbender.

Mayores opciones: Película, Director, Guión, Actor Principal (Fassbender), Actriz secundaria (Mulligan)

TAN FUERTE, TAN CERCA
Probabilidades de nominación: 70%

- Llega un poco justa a la carrera del Oscar pero con la seguridad del amor que la Academia profesa a su director, Stephen Daldry (con pleno de nominaciones hasta la fecha por “Billy Elliot”, “Las Horas” y “El Lector”).

- Reparto y factura demasiado pensada para el Oscar (Tom Hanks, Sandra Bullock) y temática delicada (11-S)

Mayores Opciones: Película, Director, Guión Adaptado

EL TOPO
Probabilidades de nominación: 50%

- No es el género de espionaje el predilecto de la Academia, pero “El Topo” reúne la esencia europea del género y así se le reconoció a su paso por el festival de Venecia.

- Cubre la cuota “british” de las nominaciones. Gary Oldman parece una firme apuesta para la nominación y no sería extraño que alguno de sus brillantes secundarios pueda acompañarlo (Colin Firth, Tom Hardy, John Hurt, Toby Jones, Mark Strong, Benedict Cumberbatch, Ciarán Hinds).

Mayores Opciones: Película, Director, Guión Adaptado, Actor (Oldman), Actor Secundario (Cumberbatch, Firth), Bandas Sonora (Alberto Iglesias)

EL ARBOL DE LA VIDA
Probabilidades de nominación: 40%

- El premio en Cannes refuerza sus opciones de cara a las nominaciones.

- Parece la película definitiva de Terrence Malick, reputado y ermitaño autor norteamericano que no ha gozado de demasiada repercusión en estos premios. Ahora es una buena ocasión.

- Juega en su contra la ampulosidad de su propuesta.

Mayores Opciones: Película, Director

MEDIANOCHE EN PARIS
Probabilidades de nominación: 50%

- Es la película de Woody Allen más vista en muchos años, así como una pequeña delicia para el espectador. Ambos factores encantan a la Academia.

- Su temprana fecha de estreno juega en su contra pero en la mano de las Asociaciones de críticos norteamericanos está devolverla a la primera página.

- La Academia adora al Woody ocurrente y referencial, y éste es el caso.

Mayores Opciones: Película, Director, Guión Original.

LA DAMA DE HIERRO
Probabilidades de nominación: 30%

- Enésimo intento de película con la que Meryl Streep pueda lograr su ansiado tercer Oscar, así que olvidémonos de cualquier otra nominación que no sea la de la veterana actriz.

- Otro retrato de una importante dama británica, “The Queen” queda demasiado reciente como para que la Margaret Tatcher de Streep pueda aspirar a algo más.

Mayores Opciones: Actriz Principal (Streep), Maquillaje

MONEYBALL
Probabilidades de nominación: 50%

- “The Blind Side” o “Million DollarBaby” son algunos de los últimos títulos deportivos que han tenido reflejo en las nominaciones. El americanísimo mundo del beisbol, el guión del muy alabado Aaron Sorkin y la directa apuesta de Brad Pitt para lograr su primer Oscar son sus bazas principales.

- Sony la apoya en firme y su alta taquilla conseguida es otro punto a su favor

Mayores Opciones: Película, Director, Actor (Pitt), Guión Adaptado

MARTHA, MARCY, MAY, MARLENE
Probabilidades de nominación: 60%

- Es la sucesora indie de títulos como “Winter´s Bone”, la típica película norteamericana de bajo presupuesto con la que la Academía suele presumir de la salud de su industria.

- La sorpresa de Elizabeth Olsen, la hermana desconocida de las gemelas Olsen le está proporcionando mayor repercusión mediática.

Mayores Opciones: Película, Guión Original, Actriz Principal (Olsen)

THE GIRL WITH THE DRAGON TATOO
Probabilidades de nominación: 30%

- El pasado año con “La Red Social”, Fincher tuvo su gran oportunidad. No parece esta adaptación de la popular saga criminal sueca la mejor opción para que la Academia compense a uno de sus más brillantes creadores la derrota de la anterior edición.

- Es un thriller, y como tal, parte con desventaja frente al resto de sus competidoras. La radical metamorfosis de Rooney Mara parece digna de nominación

Mayores Opciones: Director, Actriz Principal (Mara), Guión Adaptado

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE Probabilidades de nominación; 40%

- Que no se diga que Warner no ha apostado por su saga más productiva de los últimos años. Mirandose en el espejo de “El señor de los anillos” la cual, en su última entrega, vió recompensada el esfuerzo de su saga al completo, la compañía del joven mago de Hogwarths intenta una maniobra similiar aunque, a priori, insuficiente, y a la que sólo la posibilidad de 10 y no 5, candidatas nominables, puede abrirle las puertas a los Oscar.

Mayores Opciones: Película y categorías técnicas

MY WEEK WITH MARILYN
Probabilidades de nominación: 70%

- El empeño de Michelle Williams por meterse en la piel de la inigualable Marilyn Monroe parece que está dando sus frutos.

- La crítica la ha apoyado y los hermanos Weinstein están detrás. Cine dentro del cine con glamour hollywoodiense.

Mayores Opciones: Película, Actriz Principal (Williams), Actor Secundario (Branagh).

CLASES Y COLORES

2011-11-22T15:55:00.001+01:00

Llamémoslo “factor Obama” o “factor Oprah” pero de unos años a esta parte, el cine de componente racial, casi un subgénero en sí mismo, está cada vez más apreciado en la cinematografía norteamericana. Títulos como “Precious” o “The Blind Side” parecen de obligada necesidad en el mercado del séptimo arte estadounidense y acaban logrando, con unos más que dudosos merecimientos artísticos, un gran éxito de taquilla y una fuerte presencia en los premios Oscar.

No es, por tanto, de extrañar que en el contexto de esta era donde Obama y Don Draper son algunos de los hombres de mayor calado en los EEUU y donde las desigualdades sociales se han visto ampliadas por la crisis económica mundial, la adaptación de la novela “The Help” de Kathryn Stockett se haya convertido en el “sleeper” del año.

Remontándonos a los años 60 en un ambiente sureño donde la diferencia de clases y el racismo imperan en la comunidad, “Criadas y señoras” viene a subrayar aquel momento de la historia por medio de un drama (ligero) inundado por toques de comedia, eminentemente femenino y particularmente amable. Algo así como la “feel good movie” del 2011 en cuyo diseño se reúnen muchas (y descaradas) intenciones de competir por el premio Oscar. Y es que “Criadas y señoras” es la película caramelo que, normalmente, acaba por convencer a la industria hollywoodiense. Sentimental, a ratos lacrimógena, sin desdeñar el humor surgido del sufrimiento y con una denuncia social efectista, en la que su propio entorno histórico sólo se intuye (Kennedy, Martin Luther King), la cinta dirigida por Tate Taylor (dirección plana, casi de telefilm) ostenta la capacidad de tocar la fibra sensible del espectador por la vía más rápida y directa.

En la elaboración de un libro que recoge los testimonios de las criadas de color que servían a la comunidad adinerada norteamericana, radica la mejor idea de “Criadas y señoras” donde la cada vez más pizpireta y omnipresente Emma Stone sirve como enlace honesto y sincero entre las partes encontradas. Sólo algunas de estas confesiones son capaces de alterar la conciencia del espectador. Otras se muestran maniqueas y estereotipadas, tanto como la maldad injustificada de personajes como el de Bryce Dallas Howard o la bondad absoluta de otros como el de la muy nominable Viola Davis.

La presencia de una marylinizada Jessica Chastain (una de las grandes sorpresas interpretativas de este 2011) y el fuerte carácter de la semidesconocida Octavia Spencer (un suerte de la Hattie McDaniel de “Lo que el viento se llevo”) son las más agradables noticias de esta película inofensiva y si me apuran oportunista, que sin embargo, parece obligatoria en la cuota anual del Hollywood actual. Debería simplemente agradar y pasar página, aunque la industria ya tenga páginas más importantes guardadas para ella.

7 VIDEOS DEL 17 DE NOVIEMBRE

2011-11-17T18:29:00.002+01:00

PARECIDOS RAZONABLES: ALLEN FOR EN vs RESACÓN EN LAS VEGAS

2011-11-07T22:07:00.000+01:00

Si a los productores de la comedia danesa "Alle for én" les presentan una demanda por plagio, más vale que se busquen un buen abogado porque el parecido entre su cartel promocional y el de "Resacón en las Vegas" es descarado, alevoso y premeditado. Maneras de que una película parezca una buena comedia solo por un rápido vistazo que la asocie con otra con la que no comparte, ni siquiera, similitudes en su argumento, o lo que es lo mismo, trucos de marketing baratos.

TINTIN SE VA A AMERICA

2011-11-05T21:06:00.009+01:00

Cuenta Spielberg que una crítica francesa sobre “En busca del arca perdida” le puso, hace ya más de 30 años, sobre la pista de un personaje tan intrépido como su recién creado Indiana Jones. Spielberg investigó sobre la figura de este personaje de historietas europeo creado por Hergé y encontró en “Tintín” un amplio catálogo de sus inquietudes aventureras, esas con las que, precisamente, acababa de maravillar al planeta gracias a su héroe de sombrero y látigo. Raudo y veloz, el realizador norteamericano compró los derechos de las historias de Tintín para la gran pantalla, la cual mantenía una deuda con el personaje desde años atrás debido a sus más que “dudosas” adaptaciones al cine.

No ha sido hasta ahora cuando el director de “Tiburón” se ha atrevido a contar las hazañas del joven reportero en lo que supone un reto doble para Spielberg; por un lado crear una franquicia a la altura del personaje (respetado y muy querido en el viejo continente pero desconocido en los USA) y por otro, dar con la clave de la controvertida técnica conocida como “motion capture” que le permitiese recrear sin obstáculo alguno los fascinantes universos que reclamaban los comics de Hergé.

Quizá a ello se deba la colaboración para la ocasión de Peter Jackson, gran conocedor de las viñetas y sobre todo, alma mater de la figura de Gollum, la primera y más conseguida criatura lograda con esta técnica sobre la que recaían continuas dudas en lo que a movimientos y expresión gestual se refiere (véase el plano formal de películas como “Polar Express”, “Beowulf” o “Cuento de Navidad”, todas ellas de Robert Zemeckis).

Adaptando los libros “El Secreto del Unicornio”, “El tesoro de Rackham el rojo” y “El cangrejo de las pinzas de oro”, Spielberg ha completado por fin su ansiada misión, habiendo concebido una película que despeja cualquier tipo de duda sobre la técnica utilizada y que devuelve a director al trono del rey del entretenimiento perdido con “El reino de la calavera de cristal”.

Con unos créditos iniciales “Saul Bass´ style” que traen a la mente los de “Atrápame si puedes” (también su banda sonora, como no, de John Williams), Spielberg abre la película con un prólogo parisino lleno de slapstick y que sirve como presentación del mítico personaje (encarnado por Jamie Bell) y su inseparable Milú así como también de punto de partida a la montaña rusa que está por venir. Porque si algo es “Las aventuras de Tintín, el secreto del Unicornio” es una cinta desbordante (tanto que en ocasiones desbordará al espectador) de ritmo frenético, en la que secuencias de acción y localizaciones se suceden sin tregua y cuyos personajes (menos carismáticos en pantalla de lo esperado) pasan a la acción desde su bien temprana aparición en pantalla.

Aprovechando (o no) las posibilidades de las tres dimensiones, formato en el que también ha sido rodada “Tintín”, Spielberg parece disfrutar con las múltiples alternativas que los nuevos medios le ofrecen componiendo una dinámica y agitada sucesión de “set pieces” aventureras donde la profundidad de campo y los imposibles movimientos de cámara se adueñan del relato una (la persecución en Marruecos) y otra vez (el flashback pirata que redime a Spielberg de todo lo rodado en “Hook”), aunque puestos a elegir, aquellas secuencias en las que el director introduce la pausa, el pulso y el sentido del humor (la actuación operística de Bianca Castafiore) son las que nos recuerdan al mejor Spielberg de “Indiana Jones”.

La franquicia ya está creada en la medida justa para gustar a amantes de las historietas, conocedores de ellas o a los que ignoran de su existencia. Pendientes de un aterrizaje exitoso del rubio reportero en los EEUU, de lo que no cabe duda es de que con “Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio” Spielberg ha vuelto a abrir un nuevo y (por fín) viable sendero en el séptimo arte, el del “motion capture”, sobre el cual jamás nos volveremos a preguntar el porqué de ver a actores de carne y hueso trabajar para finalmente asistir a una película animada.

MAL DE MUCHOS, CONSUELO DE...PSICOPATAS

2011-10-18T19:04:00.012+02:00

Jaume Balaguero se ha mudado de residencia. Sin salir del Eixample barcelonés, Balagueró abandona el edificio en cuarentena donde vivía la aterradora “Niña Medeiros” en “REC” para ocupar un añejo bloque de viviendas en el que trabaja como portero de edificio un ser gris y taciturno que responde al nombre de Cesar. Nuevos vecinos, nuevos monstruos. Con esta mudanza, el director catalán cambia, al tiempo, de registro, dejando a un lado el terror paranormal y pandémico ofreciendo una historia de angustia cotidiana repleta de cinismo, perversión y dosis de suspense.

Ésta es “Mientras Duermes”, un nuevo acercamiento de Balagueró a su constante preferida; los microcosmos surgidos de la coexistencia entre los diferentes individuos de habitan un mismo inmueble en situaciones (más o menos) límite. Y en ella un personaje sobre el que fija su mirada haciéndonos participes en primera persona de sus actos, siempre depravados, lascivos y malintencionados. Cesar, compuesto a la perfección por el siempre intachable Luis Tosar, elabora su retorcido plan de acoso sobre su vecina más sonriente (Marta Etura) para gozo del prisma de Balagueró que disfruta con todos y cada uno de los inmorales movimientos de su personaje y de las situaciones que provocan sus actos y para incomodidad de un espectador que aunque sufre por la victima no puede evitar sentirse cómplice de las acciones del protagonista.

Es “Mientras Duermes” una película que se contagia de la minuciosidad de su personaje principal, siendo cuidadosa de no cometer errores en su relato (buen guión de Alberto Marini) que puedan malograr el interés del espectador. Balagueró se contiene contra pronóstico en su narración dedicando su esfuerzo en exprimir al detalle la cara más oscura de Cesar y su rutina diaria como portero del edificio. No hay un ápice de terror efectista o suspense barato (véase "La víctima perfecta", historia muy símilar a esta) sólo un desarrollo in crescendo capaz de detenerse en las relaciones interpersonales de los vecinos del edificio y avanzar en las nocturnas visitas del psicópata social al que encarna Tosar.

Como si el director de "Los sin nombre" hubiese tomado buena nota de la manera de intensificar el suspense de Hitchcock, "Mientras Duermes" va encajando sus piezas conforme transcurre su metraje, conviertiendose en un ejemplar ejercicio de género en el que la ansiedad y la intranquilidad acaban por desatarse en un climax final que dota de sentido al psicótico comportamiento de un villano a la altura de los mejores que haya tenido el cine español y que toma la infelicidad como excusa para desarrollar su maldad patológica.

"Mientras duermes", entretenidísma, cruel y muy cínica es probablemente la película mas madura de su director y un nuevo ejemplo de sus grandes capacidades para el cine de terror y/o suspense. A buen seguro, mirarás dos veces bajo la cama y desconfiarás de tu portero, (si es que todavía hay uno en tu bloque) cuando hayas visto "Mientras duermes".

7 VIDEOS DEL 15 DE OCTUBRE

2011-10-15T12:34:00.002+02:00

PUZZLED LOVE: BIENVENIDA SEA!

2011-10-11T18:05:00.016+02:00

Pocas películas logran despertar sentimientos latentes o potenciar sentimientos patentes entre la platea. Pocas películas románticas tienen el don de enamorar. “Puzzled love” es un pequeño y modesto milagro para nuestro cine, generalmente enclaustrado y anclado en formulas reiterativas cuando de lo que se habla es de amor.

“Puzzled Love” alegra el cuerpo del espectador, está llena de empatía, frescura y juventud. Todo provocado por el entusiasmo. El entusiasmo de 13 estudiantes de la Escuela Superior de Cine de Catalunya que demuestran talento propio y capacidad de trabajo en equipo. Porque “Puzzled Love” se muestra renovadora desde su concepto; película de fin de carrera, divida en 13 fragmentos, dirigidos, escritos, montados y fotografiados por un equipo distinto. Una mezcla de estilos bajo una unidad coherente y lineal que evita que este sea uno de esos productos cuyos capítulos independientes conforman una película deslavazada

La premisa es simple; dos jóvenes estudiantes de Erasmus se enamoran. Sencillo, sí, pero no vulgar. En cada uno de estos trece momentos en que se divide la cinta, correspondientes a cada uno de los meses que la pareja protagonista comparte (excelentes Saras Gil y Marcel Borrás), se alternan ejercicios cinéfilos de montaje – el reencuentro en el cine-, sitcoms con risas enlatadas, inesperados duelos de Skype al ritmo del Dúo Dinámico y Rita Pavone (excelente el uso de la música en toda la película), secuencias de sexo rebozado en harina (riete tú de Jack Nicholson y Jessica Lange) y desenlaces puramente peliculeros. Nada convencional, todo original y principalmente evocador.

Porque todos hemos vivido los comienzos de una relación, “Puzzled Love” nos devuelve a aquel momento, nos provoca una sonrisa y encuentra nuestra compasión por la caducidad de su historia de amor. Sentimientos a flor de piel. De esos que siempre buscamos en una sala de cine y no siempre encontramos.
Han tenido que ser unos ~~treintañeros~~ tweenagers sin experiencia en largometrajes los que hurguen en el espectador y despierten la atención de nuestro cine, el cual por primera vez sabe retratar con fidelidad a la juventud a la que corresponde. Participar en el festival de San Sebastián es un logro más que merecido para una película digital y “mileurista” que debería encontrar en los premios Goya un reconocimiento novel.

“Puzzled Love”, con el amor como arma y la ilusión por bandera, es una de las mejores noticias de este 2011 cinematográfico.

CREACIÓN Y MUERTE SEGÚN TERRENCE MALICK

2011-09-23T08:09:00.002+02:00

En ocasiones el marketing del cine causa la más absoluta confusión en el espectador convirtiendo a la película que promociona en victima de su propia campaña. “El árbol de la vida” es un caramelo para el publicista astuto y ávido debido a lo potente de sus imágenes y, principalmente, a la presencia de actores como Brad Pitt y Sean Penn en su reparto.

Dueña, por tanto, de un precioso trailer y con el rostro del actor de “Seven” ocupando la práctica totalidad del cartel publicitario, donde por supuesto no falta la mención a la Palma de Oro lograda en el último festival de cine de Cannes, “El árbol de la vida” puede parecer a ojos del espectador como una suerte de “El curioso caso de Benjamin Button”. Nada más lejos de la realidad.

“El árbol de la vida” es un título que se aleja completamente de los parámetros del cine comercial y/o convencional, siendo una película contemplativa, filosófica, trascendental ,metafísica y naturista, donde tan pronto se habla de la creación como de religión, se observan dinosaurios como imágenes de accidentes geográficos.

En realidad, esta es la película que Terrence Malick, su director, lleva años acariciando. Profesor de filosofía antes que autor cinematográfico, hombre hermético y poco prolífico, Malick siempre ha apostado en su cine por la belleza de unas imágenes donde la naturaleza es protagonista sirviendo de contrapunto a los actos del ser humano. Ocurría en “La delgada línea roja” y posteriormente en “El nuevo mundo” y ahora alcanza su máxima expresión con “El árbol de la vida”, donde la lectura sobre la frágil existencia del hombre, la Tierra o, todavía más, el cosmos, se adueñan del relato.

Malick plantea su discurso a partir de la figura de Sean Penn y la evocación de su infancia. Años 50, padre autoritario y frustrado, madre cariñosa y gentil, tragedias familiares y el recuerdo de las pequeñas cosas que uno retiene en la memoria más básica. El dolor y la fe de estas vivencias terrenales dan pie a Malick para viajar al espacio exterior y también al geográfico con el fin de buscar explicaciones sobre la vida y la muerte, componiendo una sinfonía visual universal y grandilocuente repleta de instantáneas propias del National Geographic que desembocarán de nuevo en la figura de Sean Penn en un pasaje final donde lo espiritual y new age se dan la mano para completar la amplia mirada del director de “Malas Tierras” hacía la existencia del hombre y todo lo que le rodea.

Probablemente sea la pieza central la más atinada de todas cuantas “El árbol de la vida” contiene. Haciendo uso de la voz en off (recurso muy utilizado en su cine), Malick demuestra ser un narrador de primera a la hora de contar los orgullos, miserias y fracasos de un padre de familia (Brad Pitt) en los años 50, el miedo y cariño de sus hijos o la abnegación de una madre (Jessica Chastain). Con un singular montaje de miradas humanas y pequeños detalles y texturas cotidianas, Malick habla del amor, los sentidos, la protección, la autoridad y la esperanza al tiempo que se sirve de las vidas de estos personajes para abordar su posterior y ambicioso recorrido cósmico, microscópico y ateo.

“El árbol de la vida” no es una película fácil, ni siquiera cuando se ha entrado en la sala con todos los datos necesarios. Se trata de una obra, por momentos, suicida, a ratos, tocada por la varita de la genialidad pero sobre todo única en su especie. Tengan cuidado con ella o conseguirán irritarse.

EL INCANSABLE BRYAN CRANSTON

2011-09-22T08:52:00.011+02:00

¿Quién dijo Paro?. En tiempos de inestabilidad laboral hay un hombre al que se le acumula el trabajo después de haber estado años realizando pequeñas labores en el plano más secundario. Es ahora cuando a Bryan Cranston le faltan horas para poder cumplir con sus tareas. Para él son buenos tiempos.

El cine ha echado el anzuelo a Cranston. Y es que el otrora padre de Malcom en “Malcom in the middle” ha demostrado ser un titán interpretativo gracias a ese profesor de química enfermo de cáncer llamado Walter White. Su intensa composición del también conocido como Heisenberg en la maravillosa “Breaking Bad” le ha otorgado a Cranston reconocimiento generalizado y unos cuantos Emmys, además del despegue definitivo en la gran pantalla, terreno en el que apenas había destacado más allá de pequeñas intervenciones en “Salvar al soldado Ryan”, “Pequeña Miss Sunshine” o “The Wonders”.

A Cranston ya lo hemos podido ver en una pequeña aparición como agente de policía en la reciente “El inocente” y lo vamos a tener hasta en la sopa antes de deleitarnos con la última temporada de la serie de Vince Gilligan (la quinta, que estará compuesta de 16 episodios) pudiéndolo encontrar en proyectos a cada cual más interesante.

Por eso nos vemos enfrentados a la necesidad de organizar la agenda y anotar la amplia cantidad de títulos que los que el bueno de Cranston aparecerá, no vaya a ser que nos perdamos alguno…

CONTAGIO: La primera de las muchas películas con Bryan Cranston que llegarán a las pantallas será esta cinta vírica y coral dirigida por Steven “dejoelcine” Soderbergh. La presencia del actor de “Breaking Bad” pone la guinda a un reparto espectacular en el que están; Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Jude Law, Marion Cotillard, Lawrence Fishburne, Kate Winslet, John Hawkes (nominado al Oscar por “Winter´s Bone”) o Elliot Gould. Todos luchando por la superviviencia.

DRIVE: Una de las cintas más esperadas de la temporada es la película de Nicolas Widing-Renf, premiado a Mejor Director en la pasada edición de Cannes. Película automovilística y delictiva en la que Cranston es Shannon, mentor y jefe de Driver (Ryan Gosling), un talento de la conducción al que Shannon pretenderá sacar el máximo provecho. Aplaudida en todos los festivales por los que ha pasado, en una seria candidata de cara a los próximos Oscar.

RED TAILS: El mismisimo George Lucas ha imaginado esta historia de un escuadrón de combate aéreo durante la Segunda Guerra Mundial. En ella, Cranston es el Major William Mortamus, uno de los pocos actores no afroamericanos (Terrence Howard, Cuba Gooding Jr.) que participarán en este título donde la guerra no será sólo bélica sino también racial.

JOHN CARTER OF MARS: La primera película de Pixar en carne y hueso! Dirigida por Andrew Stanton (“Wall-E”) y basada en la serie de novelas escrita por Edgar Rice Burroughs (“Tarzan”), Cranston será aquí un Coronel del norte que está acosando a John Carter para participar en la primera guerra mundial. Ciencia-ficción y blockbuster para que Cranston se de a conocer masivamente.

DESAFÍO TOTAL: La mítica cinta de ciencia ficción de Paul Verhoeven es objeto de un remake de dudosa necesidad. El “nuevo” “Desafío Total” encuentra en Colin Farrell a su nuevo Arnold Schwazenegger y en Bryan Cranston a su antagonista, el villano Vilos Cohaagen que interpretaba el actor Ronny Cox en la original. ¿Se le saldrán a Cranston los ojos de sus órbitas?.

ROCK OF AGES: Para completar el catálogo de géneros, Cranston también aparecerá en un musical. Concretamente será en esta adaptación de un musical rockero de Broadway donde sonarán temas de Whitesnake, Bon Jovi o Europe, interpretados por (atención!!), Tom Cruise. Junto a Cranston y Cruise, estarán, completando un reparto de infarto, Malin Akerman, Alec Baldwin, Paul Giamatti, Catherine Z. Jones, Russell Brand, Mary J.Blidge

WORLD WAR Z: La adaptación de la obra de Max Brooks (Guia de supervivencia zombie) plantea una hipotética guerra mundial que enfrenta a humanos contra zombies. Y en ella, como no, andará Bryan Cranston luchando junto a Brad Pitt, Matthew Fox (“Lost”) y Mireille Enos (“The Killing”) por salvar el mundo bajo la dirección de Marc Foster (“Quantum of Solace”). Apetecible, ¿verdad?

LARRY CROWNE: Cranston es en “Larry Crowne” nada más y nada menos que el marido de Julia Roberts. Claro, que no todo iban a ser buenas noticias; ella ha dejado de quererlo para enamorarse de Tom Hanks, que al fin y al cabo, es el protagonista de la cinta. Hanks también dirige en lo que supone su segundo trabajo tras las cámaras desde que hiciese “The Wonders” allá por 1996.

DETACHMEN: Prácticamente desaparecido andaba Tony Kaye desde que dirigiese aquella excelente cinta llamada “American History X”. Ahora Kaye vuelve para narrar las relaciones que se crean entre un grupo de maestros de universidad. Algo similar a la tentación de colocar una cámara oculta en una sala de profesores. Adrien Brody encarnará a un profesor recién llegado y suyo será el punto de vista hacia el resto del claustro entre los que figurarán Christina Hendricks (“Mad Men”), James Cann, Lucy Liu, Blythe Danner, Marcia Gay Harden y, por supuesto, Bryan Cranston.

ARGO: Tercera película en la prometedora carrera tras las cámaras de Ben Affleck, tras la excelente “Adiós pequeña Adiós” y la estimable “The Town”, “Argo” contará la historia de un agente de la CIA al rescate de seis americanos atrapados en Irán. Ambientada en los años 70 y con un reparto de lujo; Kyle Chandler (ganador del último Emmy con permiso del propio Cranston), John Goodman, Alan Arkin, Titus Welliver (“Lost”) y el propio Cranston que encarnará al miembro de la CIA, Jack O'Donnell, compañero del agente al que dará vida Affleck.

Por si fuera poco, Cranston prepara “Home Again” un thriller que se convertiría en su segunda película como director (hizo en 1999 la desconocida “Last Chance”). Un actor imparable.

7 VIDEOS DEL 16 DE SEPTIEMBRE

2011-09-16T08:25:00.001+02:00

CIRUJANOS LOCOS, CINEASTAS ÚNICOS

2011-09-09T08:08:00.001+02:00

Sólo Pedro Almodóvar podía permitirse un ejercicio de contorsionismo como el que supone su último trabajo, “La piel que habito”, una obra valiente, temeraria, desbordante, retorcida, extravagante, bizarra, que camina siempre en esa delgada línea que separa lo genial de lo ridículo y dueña de una enorme capacidad para generar el desconcierto y la atracción a partes iguales hasta perturbar los sentidos del espectador.

Partiendo de la novela del francés Thierry Jonquet, “Tarántula”, sobre la que Almodóvar llevaba más de una década trabajando, “La piel que habito” se muestra, a primera vista, como un cambio radical en la carrera del manchego, que por primera vez hilvana géneros inusuales en su filmografía como el terror, la ciencia-ficción o el thriller, para, sin embargo, narrar a la postre una historia en cuyos giros y revelaciones se vuelven a dar cita algunas de las obsesiones melodramáticas principales del cineasta como el deseo carnal o la identidad sexual. La historia enfermiza y demente , no exenta de dilemas morales, del cirujano plástico Robert Legard (un contenido Antonio Banderas) y su investigación para lograr la piel humana más resistente (he oido “macguffin”) sobre Vera (Elena Anaya) a la que mantiene encerrada en su mansión con el fin de llevar a cabo sus experimentos, permite a Almodóvar jugar con estos géneros sin ataduras, dando rienda libre a sus motivaciones como cineasta (no faltan interrupciones al servicio de la comedia, interpretaciones musicales, etc) y realizando anárquicas piruetas de guión (esos flashbacks, esos continuos y sorprendentes giros argumentales ) hasta convertir a “La piel que habito” en lo que podría definirse como un dramático y folletinesco cuento de horror.

No es, únicamente, este peculiar híbrido de géneros lo que define la personalidad de “La piel que habito”. Encontramos aquí al realizador depurado y estilizado en que Almodóvar se convirtió desde “Todo sobre mi madre”, siendo ésta su película más lujosa y elitista, de gustos refinados que suponen una fuerte contraposición con lo grotesco de algunas de sus situaciones (ay, ese tigre con acento brasileño…). Chanel, Jean Paul Gaultier, Louise Bourgeois y Alice Munro abrazan el universo Almodóvar hasta formar una todavía más asombrosa atmósfera de referencias antagónicas a las que sólo el manchego podía combinar sin que su película se resintiera.

A este cúmulo de referentes convendría sumar los espejos cinéfilos sobre los que “La piel que hábito” se mira. La locura del científico de “Frankenstein” (James Whale, 1931), los experimentos quirúrgicos motivados por el dolor de “Los ojos sin rostro” (Georges Franju, 1960), el cautiverio de “El coleccionista” (William Wyler, 1965) a la cual Almodóvar ya se aproximó en “Átame”, la transformación femenina malsana y necrófila de “Vértigo” (Alfred Hitchcok, 1958), y el terror gótico del género giallo. También una elegancia en la puesta en escena digna del mejor Hitchcock. Elementos para completar el, ya de por sí, fuerte y marcado universo que atesora “La piel que habito”.

En sus excesos está la virtud de esta película única, a veces delirante, a veces brillante, no particularmente bien interpretada y sobre todo perturbadora, con la que Almodóvar ha jugado todas sus bazas sin concesiones ni dudas y sin perder tiempo para alimentar su ego (aquí no hay “Chicas y maletas”). Una obra arriesgada donde el manchego alcanza el súmmum de su expresión visual confirmándolo como uno de los grandes de la realización cinematográfica al tiempo que marca taxativa y definitivamente sus señas de autor para regocijo o desesperación del espectador. Una obra singular de un cineasta inimitable.

FIN DEL VERANO, COMIENZO DEL CURSO

2011-09-02T08:26:00.000+02:00

Decimos adiós al verano y a su cine de consumo express y nos viene a la mente lo que decía Ivan Ferreiro en su megahit “Años 80”: “no te echaré de menos en Septiembre”. Efectivamente, no nos vamos a acordar en exceso de los blockbusters de este verano, de hecho, los olvidamos prácticamente al salir de la sala de proyecciones. Un verano donde títulos como “Super 8” y “El origen de los simios” se han impuesto, dando “sopas con honda” a las grandes superproducciones del verano y han evidenciado cierto agotamiento en el público ante el artificio y la simpleza generalizada de los títulos estivales. El verano del 2012 debe aprender la lección.

Así que borrón y cuenta nueva. Comienza el nuevo curso y el mes de Septiembre viene lleno de estimulantes propuestas. Almodóvar y Malick entre otros. Pero ya llegará el momento de hablar de ellos (aunque Boyero ya esté dando caña al último trabajo del manchego con adjetivos como caótico, disparate, relamido, grotesco, patético o comedia bufa). Por lo pronto os traemos una recopilación de lo que la red nos ofrece en estos días.

Ya no luce ese peinado, pero el look “pelo casco” que lo hizo famoso sigue reinando en Internet, como demuestra la web superbooyah y sus “25 celebs with Justin Bieber´s hair”, una página a la altura del “Chicks with Steve Buscemi´s eyes” o el “Tom Hanks is a lot of animals”.

De excelentes tumblrs está llena la red. Entre ellos uno dedicado exclusivamente a gifs de películas, algunos de los cuales no podréis dejar de mirar.

Apuntad los nombres de estos diseñadores. Jon Safari y su tumblr de posters minimalistas y Edgar Ascensão y su galería de películas con pistolas y sus respectivas "movie quotes"

De entre los últimos comentarios leídos en twitter nos quedamos con estos:

@JaviCome Igual es cosa mía, pero el cartel de "Super 8" en la calle Fuencarral parece una interpretación de Eduard Munch. (ver imagen que encabeza el post)

@mendeleiev que me entere yo... en la eliminatoria Alien vs Predator ganaron los Aliens y por eso juegan ahora contra los Cowboys, no?

Y de entre los videos que se enlazan con asiduidad está el dedicado a las 25 mejores improvisaciones del séptimo arte.

Nos gusta la remozada web de Cinemania con contenidos cada vez más renovados y perfectamente documentados. Nos quedamos con esta recopilación de guiños de “Super 8” y de paso aprovechamos para mostraros “The Case” la peli de zombies que ruedan la pandilla protagonista de la película de JJ.Abrams.

Feliz vuelta a la actividad!

SUPER 8; AQUEL MARAVILLOSO CINE

2011-08-25T20:11:00.013+02:00

Aterriza “Super 8” en las pantallas para despertar aletargadas sensaciones en el espectador. No es sólo que el público que creció con el cine de los años 80 haya madurado sino que el cine de entretenimiento (ese 3D...) ha mutado en todo este tiempo hasta desintegrar los cimientos de ese aquellas películas donde una pizca de sensibilidad y una insultante inocencia eran rasgos obligados. Y nosotros con él hemos ido silenciando nuestra ingenuidad cinéfila y enterrando otros sentimientos muy básicos que casi siempre dejábamos manifestar dentro de las apagadas salas de proyección cuando de lo que se trataba era de cine familiar.

JJ. Abrams, tipo listo, sabía que aunque ha habido algunos intentos (el primero que me viene a la mente es "Monster House"), ninguno había apostado completamente por mostrarse tan abiertamente retro y ochentero y recurriendo al mejor mentor posible (Spielberg el mesías) y a sus probadas capacidades narrativas para con el espectador (“Lost”), ha concebido un título que apelando a la nostalgia nos devuelve sin complejos a aquellos años y nos hace disfrutar y sentir aquello que vivimos cuando vimos por primera vez “Los Goonies”, “E.T.”, “Exploradores” o “Cuenta Conmigo”, cintas que de una manera u otra están muy presentes durante el visionado de “Super 8”.

Tiene esta película dos ideas fundidas en un todo; el rodaje por parte de un grupo de amigos (excelente e inmejorable el casting) de una película de zombies en formato super 8 y el hallazgo de un accidente militar de consecuencias sobrenaturales. De estas tramas se vale Abrams para confeccionar un pastiche ávido de referencias capaz de aunar el drama, la aventura y la ciencia ficción con la sincronía del mejor de los títulos spielbergrianos.

Lúcida y directa es la manera de explicar, con apenas un cartel y un par de líneas de diálogo, que el protagonista acaba de quedar huérfano de madre y a cargo de un padre incapaz de cuidarlo. Abrams arranca así su historia, situando rápidamente al espectador en el contexto, que no es otro que el de un niño de familia, como mandan los cánones, desestructurada. Pero eso no es óbice para la aventura. La óptica sobre la que se sustenta la película es la del joven Joe y su grupo de amigos y no la del adulto atormentado (algo en lo que es experto otro director que ha sabido recoger el testigo de Spielberg; M.Night Shyamalan). Para ellos la vida sigue y la vida es el rodaje de una película de zombies. Y a partir de ahí empieza el espectáculo, un espectáculo que agradecen nuestras emociones donde reinan los amores de preadolescencia, las inquietudes que empiezan a florecer, las bicis, las urbanizaciones perfectas, las habitaciones llenas de memorabilia , las pandillas, la amistad, la inocencia y el cine: el cine como motor de la historia de “Super 8”. Impecable imitación de fondo de aquel añorado cine, como impecable lo es en la forma; destellos que se reflejan en el objetivo, fotografía granulada, o música a lo John Williams de Michael Giacchino (si hasta el cartel es del diseñador Drew Struzan!). Como si vivieramos en 1982.

Abrams realiza una excelente labor a la hora de retrotraernos a otra época, siendo descaradamente referencial, técnicamente espectacular (el descarrilamiento del tren) y narrativamente maravilloso. Probablemente se encuentre, en su enorme ambición, demasiadas subtramas a solucionar (la relación padre-hijo es la peor parada de toda la cinta) lo cual no supone reparo alguno para una película capaz de ser una brillante recreación de otra época además de una eficaz "monster movie", uno de los géneros favoritos del creador de "Perdidos" o "Cloverfield".

"Super 8" es un canto al cine como evasión, como medio para abrazar sentimientos y vivir experiencias, para cerrar los ojos y viajar a lugares insospechados. Y lo es desde el punto de vista más simple y puro, el de la mirada infantil, esa que un buen día abandonamos como espectadores y que sólo películas como la de Abrams nos permiten recuperar.

MONOS QUE SE INDIGNAN

2011-08-19T12:47:00.006+02:00

Dos preguntas asaltaban a Taylor, el desconcertado astronauta encarnado por Charlton Heston en el clásico “El planeta de los simios”; ¿Qué ha pasado con mi especie?, ¿Dónde y cómo han adquirido los simios semejantes capacidades racionales?.

Lejos de componer una precuela o reboot con el patrón predeterminado y prefabricado del Hollywood actual, “El origen del planeta de los simios” descarta, contra pronóstico, el espectáculo “blockbusteriano” más banal y superficial y opta por la descripción detallada y moderada y empática del alzamiento simiesco así como apunta con sutileza y acierto las claves que dan sentido al concepto primigenio de la saga.

En este reinicio simiesco, el científico Will Rodman (James Franco) investiga con primates una cura para el alzheimer, enfermedad que su propio padre (John Lithgow, aka Trinity) sufre en un estado avanzado. Fruto de esas investigaciones, el simio Cesar desarrollará una inteligencia superior y única que desencadenará el inicio de los males.

Conteniéndose en el lucimiento de los efectos especiales, es el retrato del mono Cesar (Andy Serkis) el que dota de naturalidad y diferenciación a “El origen del planeta de los simios”. La brillante recreación por CGI y la precisión y humanidad con la que ha sido escrito su personaje aportan solidez a una historia llena de guiños al original (esos “ojos claros”, ese cautiverio con mangueras de agua, ese viaje a Marte, etc.) y claramente dividida en dos partes; una primera en la cual se establecen los lazos afectivos entre Rodman y Cesar y una segunda que funciona como reverso primate del clásico de 1969 con su posterior y obligado climax final.

Obviamente, como superproducción veraniega que es, hay personajes manidos (los dueños, malvados, de la casa de acogida animal), poca continuidad en las personalidades de otros (el científico de comportamiento variable) y apenas pinceladas de su crítica al cautiverio animal, pero es lo de menos; “El origen del planeta de los simios” ha preferido analizar las motivaciones de un simio antes que convocar a monos y hombres en una lucha por dominar la Tierra con sus consiguiente explosión de efectos especiales, de ahí que nos encontremos con una precuela insólita, capaz de sorprender por la sencillez, humanidad y honestidad de su propuesta que la acercan al cine de aventuras de otro tiempo y la alejan del artificio de sus producciones contemporáneas. Todo un acierto.

7 VIDEOS DEL 18 DE AGOSTO

2011-08-18T13:46:00.003+02:00

PARECIDOS RAZONABLES: CONDUCTORES NOCTURNOS

2011-08-14T12:28:00.009+02:00

Confiamos en que "Drive" (Nicolas Winding Refn,2011) sea una de las películas de la temporada. A su aval de la Palma de Oro al Mejor Director lograda en la pasada edición del festival de Cannes, se le une la práctica unanimidad de la crítica ante el poder visual y narrativo de la cinta, una potente propuesta argumental que engarza con el thriller más puro de los 70 y un reparto perfectamente escogido donde figuran Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston (ese Heisenberg!), Christina Hendricks (esa Joane!) o un sorprendente Albert Brooks.

De entre su incipientemente extensa galería de carteles (todos derrochan caracter y estilo) destacamos el que abre este post, el cual nos trae a la mente al mítico poster de otra película protagonizada por un personaje dueño de similares dosis de desarraigo, nocturnidad y agresividad y que se convertiría en un icono de la historia del cine; el Travis Bickle encarnado por Robert de Niro en "Taxi Driver" (Martin Scorsese, 1976), donde casualmente también estaba Albert Brooks en su reparto.

Un cartel estudiado y analizado hasta la saciedad donde destacaba la metáfora religiosa en forma de cruz que conformaban las figuras de Robert De Niro y su amado taxi. Una cruz que ahora, en una parecido probablemente premeditado, imita y/o reverencia "Drive" indicándonos que estamos ante el Travis Bickle y el "Taxi Driver" del Siglo XXI.

Vean el trailer y juzgen ustedes mismos.

ALUVIÓN DE NOTICIAS: AGOSTO NO DESCANSA

2011-08-05T12:43:00.013+02:00

Quien dice que el mes de Agosto no depara noticias. Será la crisis la que ha hecho que los estudios no se vayan de vacaciones y trabajen a destajo para ofrecernos novedades y temas de los que hablar. El caso es que en los escasos 5 días transcurridos en el mes de la calma, el ocio y la pasividad, uno no da abasto con tanta información cruzada.

Empezamos por los superhéroes. Por si no tuviésemos suficiente con la galería de superhombres que llenan las pantallas de los cines (que si linternas verdes, que si capitanes América, que si rubios con martillos) nos encontramos con primicias en forma de imágenes que sirven como presentación de los superhéroes que faltaban.

A la imagen que encabeza el post perteneciente a "Los vengadores", el más esperado proyecto sobre superheroes (ver galeria completa de posters ) se le une las novedades sobre el superhéroe por antonomasia,; "Superman". Suponemos que menos carismático que el inolvidable Christopher Reeve pero más despierto que el sosainas de Brandon Routh será Henry Cavill, al que estos días podemos ver en las noches de verano de La1 en la serie “Los Tudor” y que ya ha aparecido luciendo el traje de Superman y metiéndose en la piel de Clark Kent, rizo incluido.

De ambas fotos preferimos la segunda, más fiel y sin florituras al Kent que todos conocemos. La imagen que nos presenta al superhéroe no nos da buenas expectativas ¿Por qué otra vez oscuridad y sombras? El rojo y el azul son colores vistosos. Déjenlos lucir.

Siguiendo con las comparaciones, Anne Hathaway lo tendrá difícil para alcanzar la sensualidad de Michelle Pfeifer como Catwoman, pero fácil para hacerse notar más que Halle Berry, siempre y cuando la vistan como todos queremos (ese antifaz y ese cuero negro mítico de la saga) y no inventen cosas como las que ofrece la imagen de presentación de la heroína. ¿Qué son esas gafas? ¿Habrá levantado la moto ella sola?.

Junto a Catwoman también hemos podido ver a Bane, el malvado villano de la tercera entrega de la saga de Nolan, que por cierto llevará en España el título de “El caballero oscuro, la leyenda renace”, lo cual poco tiene que ver con su traducción original. Tom Hardy se mete en la piel del malo de la película y suponemos que también se ha metido algún que otro chute de esteroides hasta alcanzar ese volumen que muestra la imagen.

La comic-con nos dejó la aparición de Andrew Garfield como Spiderman en un reboot a todas luces innecesario. Para contar lo mismo que contó Sam Raimi convendría haber dejado pasar unos años más. Sin embargo Hollywood renueva con cada vez mayor celeridad sagas y mitos del celoluide. Sirva esta imagen del bueno de Spidey y la buena de Gwen Stacey. Y su trailer para recordemos que no hace tanto (no llega a 10 años) vimos la misma historia con Tobey Maguire.

Dejando los comics de lado, dos viejas figuras de aquella generación de directores surgida a principios de los 70 vuelven a las pantallas (si es que alguna vez las abandonaron). George Lucas presenta “Red Tails” película aeronáutica que escribe, produce y pone efectos especiales con su compañía LucasArts. Patriotismo, aviones y drama racial a partes iguales para una cinta con la que Lucas vuelve a mostrarse activo para esto del séptimo arte. Francis Ford Coppola, por su parte, vuelve al terror con una extraña cinta llamada “Twixt” que, según sus propias palabras, le devuelve a su etapa con Roger Corman. Véremos si Coppola ha perdido definitivamente el rumbo o vuelve a deleitarnos con la maestría que una vez demostró.

Por último, la Academia de Hollywood ha dado a conocer sus Oscars Honorificos, que desde hace un par de años se entregan meses antes de la ceremonia de los Oscars en un acto más íntimo pero más descafeinado de lo que sus figuras premiadas merecen. Este año James Earl Jones, ese hombre que puso voz a Darth Vader en su versión original, y Dick Smith, un maquillador con historia en la industria de Hollywood (“El Padrino”, “El Exorcista”, “Amadeus”) son los que recogerán la dorada estatuilla, mientras que en un alarde de peloteo absoluto, la Academia premia a la, muy poco cinematográfica pero si muy televisiva y ya retirada, Oprah Winfrey con el premio humanitario Jean Hersholt. Un “Oprah te queremos” más por parte de los USA en tiempos de Obama. Ya puesto, ¿por qué no un reconocimiento al recientemente fallecido Bubba Smith?.

DE FRANCESES E ITALIANOS

2011-08-01T15:33:00.001+02:00

Son estos dos títulos que nos ocupan ejemplos verdaderamente manifiestos de sus cinematografías. Tanto “Pequeñas mentiras sin importancia” ("Le petits mouchoirs") como “La prima cosa bella” sirven como catálogo actualizado y mejorado de todos los clichés del cine francés e italiano respectivamente, y sin embargo, con sus costumbres y vicios ambos han servido para refrescar la cartelera veraniega de nuestro país.

La película gala visita las vidas de un grupo de amigos alrededor de los cuarenta años cuyas existencias están repletas de dudas e inseguridades. Estamos ante una de esas cintas generacionales en las que sus personajes reúnen los males endémicos de la sociedad a la que pertenecen; estrés laboral, matrimonios insatisfechos, incapacidad sentimental y sobre todo, inmadurez generalizada. La crisis de los 40 en unos seres bien posicionados que, como mandan los cánones del cine francés, hablan, conversan, debaten durante largos minutos (y casi siempre alrededor de una mesa o una copa de vino) con el fin de encontrar soluciones a sus problemas más trascendentales.

Es mérito de Guillaume Canet (actor de “Quiéreme si te atreves” o “Feliz Navidad”, ahora en tareas de dirección) la de compensar todas y cada una de las pequeñas historias personales de su coral galería de personajes, de manejar y alternar los tiempos de sus diferentes identidades (encontramos al personaje histérico y cómico, al atormentado y dramático, a la misteriosa) y de conseguir que sus 145 minutos de metraje sepan sustentarse gracias a los pequeños secretos guardados por el guión y a situaciones que captan poderosamente la atención del espectador (la historia homosexual entre amigos). No obstante la cinta se resentirá de un exceso de sentimentalismo a la hora de afrontar el desenlace del personaje que une a todos los amigos (el accidentado personaje que encarna Jean Dujardin) y con el que el espectador será incapaz de identificarse y/o hermanarse por la escasa cancha de la goza en pantalla en beneficio de sus “colegas” de toda la vida. Probablemente el único pero de una película agradable, honesta y bien interpretada (Marion Cotillard o Francois Cluzet) que ha sido un gran éxito en su país.

No menos “autotóctona” es “La prima cosa bella”, otro éxito de taquilla en su país de origen y candidata para representar a Italia en la anterior edición de los premios Oscar.

Apelando a la nostalgia, al recuerdo y a la familia, “La prima cosa bella” es un homenaje a las madres de toda la vida al tiempo que rememora a las maggioratas italianas popularizadas por el cine italiano del pasado siglo. Idas y venidas sentimentales y temporales para retratar la lucha de una madre, sufridora, abnegada, ingenua, sugerente, por sacar adelante a sus hijos frente a un padre celoso y posesivo.

En su vuelta al pasado, “La prima cosa bella” se muestra tan exagerada y cómica como entrañable y amarga, retrotrayendonos a nuestros propios recuerdos de infancia y a nuestra querencia por el calor maternal. En su presente, la película alude a los resentimientos y heridas no curadas, que siempre cicatrizarán si es de una madre de lo que estamos hablando.

Una película excesiva y sentimentaloide como buena película italiana, bien interpretada (Micaela Ramazzotti, Valerio Mastandrea o la mítica Stefania Sandrelli) y con guiños cinéfilos a la comedia italiana (“apariciones” de Mastroianni y Dino Risi, incluidas) y que probablemente, a ojos del espectador podrá recordar a otra tragicómica y maternal película como era “El hijo de la novia”.

BUENOS Y MALOS SEGÚN ROBERT BALL

2011-07-30T11:52:00.006+02:00

Es obligada la visita al flickr de Robert Ball, ilustrador que recurre a heroes y villanos del cine para crear sus litografias. Especialmente recomendable es su "Fifty baddies", trabajo que hasta hace poco se podía adquirir en su web y que suponía además un excelente juego de sabiduría cinéfila a la hora de adivinar todos y cada uno de los personajes de ficción dibujados por Ball.

Ball mira ahora hacía el lado positivo y ha comenzado las ilustraciones de "Fifty Goodies". 50 heroes o "buenos" de película que va dejando diariamente en grupos de tres en su flick. Síganla, no tiene desperdicio.

HERENCIAS FAMILIARES

2011-07-29T08:04:00.001+02:00

A años luz de sus comedias esperpénticas, el dúo formado por Felix Sabroso y Dunia Ayaso (“Descongélate”, “Perdona bonita pero Lucas me quería a mí”) ha ejecutado un drástico cambio de registro abordando el más absoluto drama en “La isla interior”, un título inexplicablemente desapercibido en carteleras y erróneamente marginado en la última edición de los premios Goya.

Nos encontramos ante una historia familiar de resentimientos, reclusión y retraimiento social que analiza las heridas mentales y anímicas provocadas por un tema nunca sencillo como la esquizofrenia. Sabroso y Ayaso afrontan con valentía la carga genética y parental de una enfermedad severa sobre los hombros de unos personajes descritos con una inusual precisión e interpretados con una todavía mayor puntería.

Un drama dueño de las evidentes constantes del drama español pero dotado de una sinceridad y franqueza poco común en nuestro cine y, particularmente, en el cine de la pareja de directores de “El grito en el cielo”.

“La isla interior” guarda secretos y lleva su apuesta narrativa hasta las últimas consecuencias. Mantiene en vilo la atracción por unos personajes cuyas deficiencias son notables y cuyas vidas son crueles y grises a ojos del espectador. Aislados puntos de humor alivian la dureza en las vivencias particulares de los tres desafortunados hermanos (impresionantes Alberto San Juan, Candela Peña y Cristina Marcos) cuyas taras están directamente relacionadas con el trastorno de su padre (Celso Bugallo) y la sobreprotección de su madre (Geraldine Chaplin) y en cuyo retrato de incapacidad social y de sus comprometidas situaciones con respecto al mundo exterior se encuentran las mejores armas de un drama honesto e inflexible en su propuesta como pocos.

No es “La isla interior” una película cómoda pero si un buen ejemplo de emociones contenidas a punto de estallar, de silencios, inestabilidad y cargas heredadas insoportables. Elementos oscuros repletos de dureza que contrastarán con la luminosidad de la isla (Gran Canaria) que pone decorado a las imágenes de una película a reivindicar.

SPOTS A LA ESPAÑOLA

2011-07-25T11:46:00.015+02:00

Leo sorprendido en Blogdecine que Bigas Luna ha rodado tres anuncios para la marca de limpieza KH-7. Tal sorpresa se multiplica cuando pulso al play y veo los spots; Luna no se priva de derrochar sexualidad y erotismo en sus imágenes ni para unos anuncios que aumentarán el calor de las televisiones. Atención a los morreos que se pegan sus protagonistas, sólo interrumpidos por las pulverizaciones del KH-7. Seguro que dará que hablar, algo que siempre resultará beneficioso para las ventas del producto quitamanchas. Estos son los anuncios, titulados respectivamente, "Cocina", "Lavavajillas" y "Vitrocerámica".

El caso es que estos tres spots del bueno de Bigas nos han llevado a recordar otros anuncios a lo "cine español". Algunos demasiado recientes (y cada vez más repelentes) como el de Isabel Coixet para Estrella Damm. Otros, con la seña de autor de gente como Pedro Almodovar, Julio Medem o Javier Fesser. No es tarea fácil encontrar en la red los realizados por Amenabar para "El corte inglés", Berlanga para "Repsol" o Borau para "Coca Cola", pero aquí va un "Top 7" de spots nacionales.

"Pastas Ardilla". Dirigido por Pedro Almodovar en 1996.

"La Casera". Dirigido por Javier Fesser en 2010.

"Balay". Dirigido por Julio Medem en 2004.

"Navidul", Jamón indestructible. Dirigido por Alex de la Iglesia en 2011

"Campaña de abonos Atletico de Madrid". Dirigido por Benito Zambrano en 2003

"Moviline". Dirigido por Alejandro Amenabar

"Nescafé". Dirigido por Victor Erice en 1980

CRIMINALES DEL SUR DE LONDRES

2011-07-22T15:44:00.000+02:00

Inexplicablemente inédita en nuestro país, “London Boulevard” es la demostración de que William Monahan ha tomado buena nota del cine de Martin Scorsese.

El que fuera guionista oscarizado por “Infiltrados” debuta con este título en la dirección de largometrajes adaptando una novela negra de Ken Bruen con una mirada que se aproxima bastante al cine mafioso del pequeño director italoamericano. Una historia, efectivamente, de mafia, pero principalmente un viaje de (imposible) redención de un personaje criado y forjado en los barrios marginales del sur de Londres.

Monahan hace de Harry Mitchell (un preciso Colin Farell) su mejor baza, siendo su retrato seco, violento, elegante a la par que marginal un excelente motor sobre el que construir su narración. Sobre su figura (presente en el 95% de los planos) giran las, hasta, tres subtramas de la película, las cuales suponen el pasado, presente y futuro del personaje y sobre cuyo nexo sobrevuela la agresividad, el crimen y la tragedia.

Alrededor de estas (desiguales) historias nace una intensa galería de secundarios que refuerzan el interés de las intrigas gangsteriles de “London Boulevard” y que aportan calidad al trabajo de Monahan; Ray Winstone, un nervioso y visceral capo de la zona el cual tiene a Mitchell como punto de mira, Ben Chaplin como un delincuente de poca monta y Keira Knightley y David Thewlis como dos actores retirados con los cuales el protagonista entablará relación al convertirse en una especie de guardaespaldas encargado de alejarlos de los paparazzis.

Con un estilo sobrio, un montaje súbito e impetuoso donde clásicos del rock and roll aparecen en escena a su antojo y sobre todo un cínico y muy negro sentido del humor, Monahan sale mucho más que airoso en su intento por mezclar la elegancia de Scorsese con el tono barriobajero de Guy Ritchie y aún cuando sus diferentes historias parecen derivar hacía ningún sitio perdiendo una y otra vez sus puntos de conexión (el mendigo asesinado, la hermana “alegre”), Monahan saca sus armas de guionista experimentado para asociarlas en un final que deja lacrado los asuntos de todos y cada uno de sus personajes y que hace honor al aire de infortunio y criminalidad presente durante todo el metraje. Un título meritorio que debería tener sitio en las pantallas de nuestro país.